История зарубежного искусства.

Рассматриваются определенные стороны предмета искусствоведения, сложение искусства Древнего мира, Византии, а также Западной Европы эпох средневековья, Нового и Новейшего времени.



Дидактический план

Предмет искусствоведения. Определение понятия искусства. Классификация искусств.

Происхождение и социальные функции искусства. Особенности пластических искусств, понятия вида, рода и жанра искусства. Периодизация всеобщей истории искусства.

Искусство Древнего мира. Становление художественной культуры. Особенности типологии искусств Древнего мира. Общие закономерности формирования художественной культуры Древней Передней Азии и Древнего Египта.

Специфика памятников Эгейского мира. Общая характеристика античного искусства Греции и Рима.

Искусство Византии и Средних веков. Художественная культура Византии: источники формирования, периодизация, типология. Византия и Древняя Русь.

Особенности периодизации и эволюции искусства западноевропейского средневековья. Эпоха Каролингов. Романское искусство. Готическое искусство.

Европейское искусство Нового и Новейшего времени. Общая характеристика искусства Возрождения. Становление светской архитектуры и станкового рода изобразительных искусств.

Искусство XVII века: барокко, классицизм, внестилевое искусство. Общие закономерности эволюции западноевропейского искусства XVII-XIX вв. Основные проблемы развития художес-твенной культуры XX века.


Предмет искусствоведения

Искусство одна из форм общественного сознания, составная часть духовной культуры человечества, специфический род практически-духовного освоения мира. В этом смысле к искусству относят группу разновидностей человеческой деятельности – живопись, музыку, театр, художественную литературу (которую иногда выделяют особо – ср. выражение «литература и искусство») и т.п., объединяемых потому, что они являются специфическими – художественно-образными – формами воспроизведения действительности. В более широком значении слово «искусство» относят к любой форме практической деятельности, когда она совершается умело, мастерски, искусно не только в технологическом, но и в эстетическом смысле.

Определение отличительных признаков искусства и его роли в жизни людей вызывало острые разногласия на протяжении всей истории культуры. Искусство объявлялось «подражанием природе» – и «свободным формотворчеством»; «воспроизведением действительности» – и «самопознанием Абсолюта»; «самовыражением художника» – и «языком чувств»; особого рода игрой – и особого рода молитвой. Такие разногласия объясняются многими причинами: различием философских позиций теоретиков, их идеологических установок, опорой на различные виды искусства и творческие методы (напр., на литературу или на архитектуру, на классицизм или реализм), наконец, объективной сложностью строения самого искусства. Эта сложность, многогранность структуры искусства не осознается и некоторыми теоретиками, которые определяют сущность искусства то как гносеоло-гическую, то как идеологическую, то как эстетическую, то как творчески-созидательную и т.д. Неудовлетворенность такими однолинейными определениями приводила некоторых искусство-ведов к утверждению, что в искусстве органически взаимосвязаны разные моменты – познание и оценка реальности, или отражение и созидание, или модель и знак. Но и такие двухмерные истолкования сущности искусства не воссоздают с должной полнотой сложную его структуру.
В изучении природы искусства наука стала обращаться к методам системного анализа, позволяющим подойти с некоторых других сторон к раскрытию сущности искусства, в частности:

а) выявить те качества и функции искусства, которые необходимы и достаточны для описания его внутренней структуры;

б) показать, что соединение этих качеств и функций – не простая их «сумма», не механический конгломерат, а органически-целостное единство, которое и порождает специфический для искусства эффект художественности;

в) раскрыть способность структуры искусства модифицироваться, образуя, с одной стороны, виды, разновидности, роды и жанры искусства, а с другой – различные исторические типы искусства (творческие методы, стили, течения, школы). Хотя современная эстетика далека еще от окончательного решения этой задачи, некоторые ее аспекты могут быть освещены с достаточной определенностью.

Процесс исторического развития обществ, разделения труда привел к тому, что из первона-чальной слитной, синкретической человеческой жизнедеятельности выделились и получили самостоятельное существование многообразные отрасли материального и духовного производства,
а также различные формы общения людей. В отличие от науки, языка и других форм специализированной общественной деятельности, призванных удовлетворять различные потреб-ности людей, искусство оказалось нужным человечеству как способ целостного общественного воспитания индивида, его эмоционального и интеллектуального развития, его приобщения к накопленному человечеством коллективному опыту, к вековой мудрости, к конкретным общественно-историческим интересам, устремлениям, идеалам. Но для того чтобы играть эту роль могущественного инструмента социализации индивидуума, искусство должно быть подобно реальной человеческой жизни, то есть должно воссоздавать (моделировать) жизнь в ее реальной целостности и структурной сложности. Искусство должно «удваивать» реальную жизнедеятель-ность человека, быть ее воображаемым продолжением и дополнением и тем самым расширять жизненный опыт личности, позволяя ей «прожить» много иллюзорных «жизней» в «мирах», созданных писателями, музыкантами, живописцами и т.д.

Вместе с тем (таков важнейший аспект диалектики искусства) оно выступает одновременно и как подобное реальной жизни, и как отличное от нее – выдуманное, иллюзорное, как игра воображения, как творение человеческих рук (этим сознанием «рукотворности» отношение человека к искусству принципиально отличается от его отношения к религии). Художественное произведение возбуждает в одно и то же время глубочайшие переживания, подобные пережи-ваниям реальных событий, и эстетическое наслаждение, проистекающее из его восприятия именно как произведения искусства, как созданной человеком модели жизни. Для того чтобы это противоречивое воздействие имело место, искусство должно быть изоморфно реальной жизнедея-тельности человека, т.е. должно не копировать ее, а воспроизводить ее структуру.

Реальная человеческая жизнедеятельность, будучи органически целостной, складывается из взаимодействия четырех основных компонентов – труда, познания, ценностной ориентации и общения. Соответственно и искусство, произведения которого по-своему столь же органически целостны, перенимает эту структуру человеческой жизнедеятельности. Оно выступает прежде всего как специфический (образный) способ познания действительности, но одновременно является и специфическим, образным способом ее оценки, утверждением определенной системы ценностей; произведения искусства создаются на основе отражения, осознания реального мира, однако сознание не только отражает объективный мир, но и творит его, созидая то, чего в действи-тельности не было, нет, а подчас и не может быть (фантастические образы, гротеск и т.д.). Таким образом, искусство творит воображаемые «миры», более или менее близкие к миру реальному и более или менее от него отличные, то есть представляет собой практически-духовное освоение действительности, отличающееся и от ее чисто духовного освоения, характерного для теорети-ческого знания, и от чисто материальной практики. Произведение искусства представляет собой всегда и духовный образ – модель жизни, и материальную конструкцию – звуковую, пласти-ческую, цветовую, словесную и т.д., созданную художником по законам техники и технологии обработки данного материала. Но эта конструкция сама играет двоякую роль: с одной стороны, она дает художественному образу материальное воплощение, вне которого он – как и любая другая модель – не может существовать; с другой стороны, она выступает как особая, художественно-образная система знаков, как специфический художественный «язык» (музыкальный, хореографический, живописный, архитектурный, кинематографический и т.д.), призванный донести до сознания людей заключенную в нем художественную информацию.

Таким образом, искусство как специфическое общественное явление представляет собой сложную систему качеств, структура которой характеризуется сопряжением познавательной, оценочной, созидательной (духовно и материально) и знаково-коммуникативной граней (или подсистем). Благодаря этому искусство выступает и как средство общения людей, и как орудие их просвещения, обогащения их знаний о мире и о самих себе, и как способ воспитания человека на основе той или иной системы ценностей, и как источник высоких эстетических радостей. Хотя все эти функции искусства, слитые воедино, являются лишь разными сторонами одного целого – художественного воздействия искусства на человека – их соотношение бывает весьма различным, и иногда одна из функций выходит на первый план и приобретает главенствующее значение.


Классификация искусств

Художественно-творческая деятельность человека развертывается в многообразных формах, которые называют видами искусства, родами искусства, жанрами искусства. Обилие и разнооб-разие этих форм могут показаться хаотичным нагромождением, в действительности же они являются закономерно организованной (вернее – закономерно исторически самоорганизовав-шейся) системой видовых, родовых, жанровых форм.

Так, эстетическая теория установила, что в зависимости от материальных средств, с помощью которых конструируются художественные произведения, объективно возникают три группы видов искусств:

1) пространственные, или пластические (живопись, скульптура, графика, художественная фотография, архитектура, декоративно-прикладное искусство и дизайн), то есть такие, которые развертывают свои образы в пространстве;

2) временные (словесные и музыкальные), т.е. такие, где образы строятся во времени, а не в реальном пространстве;

3) пространственно-временные (танец; актерское искусство и все базирующиеся на нем синтети-ческое искусство – театр, киноискусство, телеискусство, эстрадно-цирковое искусство и т.д.), то есть такие, образы которых обладают одновременно протяженностью и длительностью, телесностью и динамизмом.

С другой стороны, в каждой из этих трех групп искусства художественно-творческая деятельность может пользоваться:

1) знаками изобразительного типа, т.е. предполагающими сходство образов с чувственно воспринимаемой реальностью (живопись, скульптура, графика – так называемые изобразительные искусства; литература, актерское искусство);

2) знаками неизобразительного типа, то есть не допускающими узнавания в образах каких бы то ни было реальных предметов, явлений, действий и обращенными непосредственно к ассоциа-тивным механизмам восприятия (архитектурно-прикладные искусства, музыка и танец);

3) знаками смешанного, изобразительно-неизобразительного характера, свойственными синтети-ческим формам творчества (синтезу архитектуры или декоративно-прикладного искусства с искусствами изобразительными; словесно-музыкальному – песенному и актерско-танцевальному – пантомимическому синтезу).

Каждый вид искусства непосредственно характеризуется способом материального бытия его произведений и применяемым типом образных знаков. В этих пределах все виды искусства имеют разновидности, определяющиеся особенностями того или иного материала и вытекающим отсюда своеобразием художественного языка. Так, разновидностями словесного искусства являются устное творчество и письменная литература; разновидностями музыки – вокальная и разные типы
инструментальной музыки; разновидностями сценического искусства – драматический, музыкальный, кукольный, теневой театр, а также эстрада и цирк; разновидностями танца – бытовой танец, классический, акробатический, гимнастический, танец на льду и т.д. С другой стороны, каждый вид искусства имеет родовое и жанровое деления. Критерии этих делений определяются в науке об искусстве по-разному, но очевидно само наличие таких родов литературы, как эпос, лирика, драма; таких родов изобразительных искусств, как станковый, монументально-декоративный, миниатюрный, таких жанров живописи, как портрет, пейзаж, натюрморт и т.д., или же таких жанров сценического искусства, как трагедия, драма, комедия, водевиль и др.

Таким образом, искусство, взятое в целом, есть исторически сложившаяся система различных конкретных способов художественного освоения мира, каждый из которых обладает чертами, общими для всех и индивидуально-своеобразными.


Историзм как принцип изучения искусства

Искусство зародилось в глубокой древности, в Каменном веке. Для первобытного человека первоначальные формы художественной деятельности – создание мифов, песен, танцев, изображение зверей на стенах пещер, украшение орудий труда, оружия, одежды, самого человеческого тела имели огромное значение, так как способствовали сплочению коллективов людей, развивали их духовно, помогали им осознавать их социальную природу, их отличие от животных, то есть служили великому историческому делу очеловечения человека.

На этой исходной фазе развития искусство не было еще самостоятельной формой деятельности, т.к. все духовное производство было здесь «непосредственно вплетено» в производство материальное, а различные сферы духовной культуры еще не отделились друг от друга.

Соответственно в эту эпоху искусство неотделимо от практической деятельности, от религии, от игры и других форм общения людей, оно все имеет «прикладной» характер. С дальнейшим разви-тием культуры искусство постепенно обособлялось в специфическую область деятельности. Однако целый ряд отраслей художеств, деятельности долгое время оставался в большой зависимости от религиозно-ритуальной деятельности, а некоторые сохраняют и поныне свою неразрывную связь с различными видами утилитарной деятельности – технической (архитектура, декоративно-прикладное искусство, дизайн), журналистско-коммуникативной (художественный очерк, публицис-тика), агитационно-пропагандистской (ораторское искусство, плакат, искусство рекламы, оформи-тельское искусство), спортивной (художественная гимнастика, фигурное катание на коньках) и т.д.

Во всех этих случаях искусство придает практической деятельности, с которой оно слито воедино, способность оказывать на человека эмоционально-психологическое воздействие. Однако и в тех своих формах, которые возникли при обособлении искусства в самостоятельную сферу деятельности, оно оставалось общественным явлением по содержанию, по функционированию, по законам своего развития.

Реальная жизнь искусства протекает всегда в той или иной системе художественной культуры. История, развитие искусства отражают воздействие сложного сочетания внешних импульсов – от эволюции материального производства, экономического строя общества и техники до эволюции общественного сознания в его идеологических и самых тонких социально-психологических проявлениях. Вместе с тем художественное развитие человечества обладает и относительной самостоятельностью, противоречиво взаимодействующей с его социальной детерминированностью. Результатом этого взаимодействия является подчинение историко-художественного процесса смене и борьбе различных творческих методов, каждый из которых выражает собой поворот многогранной структуры искусства, выдвигающей на первый план то
одну, то другую грань. Так, все реалистические методы стремились прежде всего к постижению реальности, тогда как классицизм, например, главную роль искусства видел в изображении идеального мира, который непосредственно представлял бы утверждаемую систему ценностей. Как бы, однако, ни сопрягались в творческом методе основные грани художественной структуры, он всегда характеризует прежде всего содержательную сторону творчества, преломление жизненной реальности через призму миросозерцания художника, а затем способ воплощения этого содержания в форме, то есть особенности стиля. Процесс художеств, развития человечества развертывается, таким образом, в «двухмерном пространстве», одна из координат которого обозначается понятием метода, а другая – понятием стиля.

Выражая своими средствами потребности общественной жизни и общественного развития, искусство постоянно привлекает внимание всех социальных сил – государств, классов, партий, религиозных организаций др., которые заинтересованы в распространении своего влияния на людей. В результате искусство втягивается в орбиту социальных столкновений, выражая устремления различных слоев общества, социального прогресса или реакции, а нередко запечатлевает глубочайшие противоречия и конфликты общественного развития. Искусство отражает процесс исторического развития человечества и помогает обществу находить пути и перспективы его движения к свободе, к достойным человека формам социальной жизни.


Роды и жанры искусства

Как уже упоминалось выше, для того чтобы обрести способность выполнять столь много-образные и сложные функции и удовлетворять столь сложные социальные потребности искусство должно было обрести способность широко модифицироваться во времени и пространстве. Для пластических искусств, исследование которых и является предметом классического, искусство-знания, такие модификации выразили себя в способности формировать сложные структуры родов, жанров и видов искусства, а также исторических направлений, творческих методов и стилей.

Родовые градации пластических искусств относятся прежде всего к искусствам изобразительным и традиционно подразделяются на монументальный, станковый и декоративный род искусства.

Монументальное искусствоэто род пластических искусств, который охватывает широкий круг произведений, создаваемых для конкретной архитектурной среды и соответствует ей своими идейными качествами, а также зрительно-архитектоническим и цветовым строем. К монумен-тальному искусству относятся памятники и монументы, скульптурное, живописное, мозаичное убранство зданий, витражи, городская и парковая скульптура, фонтаны и т.д. (некоторые исследователи относят к монументальному искусству также произведения архитектуры). Изобразительно-тематические композиции на фасаде и в интерьере, памятник на площади обычно посвящены воплощению и пропаганде в широких массах наиболее общих социальных и философских идей времени, увековечению памяти выдающегося деятеля или значительного события. Стремление выразить возвышенные идеи диктует величавый язык их художественных форм, масштабное соотношение с человеком, предметно-пространственной и природной средой. Ряд других произведений монументального искусства не несет высокой идейной нагрузки и обычно играет в архитектуре роль аккомпанемента, декоративно организует поверхность стен, перекрытий, фасадов и т.п. В отношении таких произведений часто используется термин «монументально-декоративное искусство», иногда употребляемый:

1) в качестве синонима монументального искусства;

2) для обозначения того направления монументального искусства, в котором преобладает декоративное начало.

Однако резкой грани между этими двумя разновидностями произведений монументального искусства не существует.

Монументальное искусство особенно активно развивается тогда, когда художественная культура эпохи проникнута ярко выраженным пафосом утверждения позитивных социальных ценностей. Истоки его восходят к первобытному обществу. В менгирах, культовых статуях и наскальных росписях воплощены представления первобытного человека о могуществе сил природы, закреплены его трудовые навыки. С появлением классов определяющими для монумен-тального искусства стали общественные взаимоотношения. Так, например, принципы монумен-тальности и статичности, господствовавшие в искусстве Древнего Египта, в условиях рабовла-дельческого общества должны были способствовать утверждению идеи незыблемости социаль-ного строя и обожествления личности властителя (так называемый Большой сфинкс в Гизе), но в исторически обусловленной форме воплотили также представления о силе человеческого разума, победе человеческого коллектива над силами природы.

В эпоху расцвета древнегреческой рабовладельческой демократии были созданы проникнутые верой в красоту и достоинство человека произведения монументального искусства (скульптурный декор афинского Парфенона) в правдивых формах воплотившие гуманистические идеалы древнегреческого полиса. Весь художественный строй готического собора, его живописное и скульптурное убранство выражали не только порожденные феодальным строем идеи общест-венной и церковной иерархии, всю систему средневекового религиозно-догматического мировоз-зрения, но и растущее самосознание городов, трудовой пафос коллектива городской коммуны (скульптурное убранство соборов в Реймсе, Шартре, Наумбурге и др.). Общенациональный духовный подъем в эпоху Высокого Возрождения в Италии (кон. XV – 1-я треть XVI вв.) со всей силой выразился в отмеченных широтой общественного звучания, полных титанической мощи и напряженного драматизма произведениях монументального искусства (статуя Давида работы Микеланджело, его же росписи потолка Сикстинской капеллы и др.).

В кон. XVI – сер. XVIII вв. политическая и духовная жизнь ряда стран Европы и Южной Америки ярко отразилась в монументальном искусстве барокко. Тесно связанное с монархией, аристократией и церковью, призванное прославлять их могущество, возбуждать религиозные чувства, оно отразило также и прогрессивные представления эпохи о драматической неустой-чивости мира и его непрерывном развитии (скульптурное и живописное убранство дворцов и церквей сер. XVIII в. в Италии, монументальная скульптура Л. Бернини и др.). Подъем нацио-нального самосознания, воздействие идей французских и русских просветителей отразились в
проникнутых патриотическим пафосом и гуманизмом, величественных по простоте и ясности замысла и языка художественных форм памятниках монументального искусства русского классицизма 2-й пол. XVIII в. – 1-й трети XIX в. (работы скульпторов Ф.Ф. Щедрина, И.П. Мартоса, В.И. Демут-Малиновского и др.). К середине XIX в. с развитием буржуазного общества усиливается разрыв между общезначимыми идеями и представлениями и реальной капиталис-тической действительностью, что ведет к упадку монументального искусства.

Сложными, противоречивыми путями развивается монументальное искусство конца XIX – начала XX вв. С постройками стиля модерн органически связаны произведения монументальной живописи (М.А. Врубель, Ф. Ходлер, М. Дени и др.). В начале XX в. вновь появляется архи-тектонически продуманная монументальная скульптура (А. Майоль, Э.А. Бурдель). В целом монументальное искусство в XX в. претерпевает глубокие изменения. В его произведениях отразились противоречия эпохи кризиса западной цивилизации, мощных революционных потрясений, опыта утверждения нового общественного порядка. Пути чисто формального экспериментирования и усиления эстетического субъективизма, ведущие к отрыву искусства от действительности, оказались малопригодными для развития монументального искусства, а бурный прогресс техники и процесс дегуманизации искусства в индустриально развитых странах породили тенденцию его растворения в индустриализованном материально-предметном окружении (вплоть до вытеснения монументального искусства из сферы общественного бытия). В то же время борьба с фашизмом, колониальным гнетом, социальные и национально-освободи-тельные движения способствовали возрождению монументального искусства, придали ему страстность и убедительность. Для произведений художников-монументалистов XX в. характерны острая публицистическая направленность, личностно-эмоциональный подход к раскрытию темы, часто перерастающий в социальную оценку изображаемого события (произведения мексиканских монументалистов, росписи общественных зданий муниципалитетов в городах Италии и Франции).

Станковое искусствотермин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и (в отличие, например, от произведений монументального искусства или книжной иллюстрации) не предназначенные непосредственно для какого-либо сооружения, издания и т.д. Идейно-художественная выразительность произведений станкового искусства не изменяется в зависимости от места, где они находятся. Термин «станковое искусство» произошел от «станка», на котором создаются произведения станкового искусства в живописи, например, им является мольберт. Широкое развитие станковое искусство получило с эпохи Возрождения и особенно в XIX в.

Декоративное искусство (от лат. decoro – украшаю) – род пластических искусств, который, как архитектура и дизайн, служит художественному формированию материальной среды, создава-емой человеком, способствует внедрению в нее эстетического и идейно-образного начала. Декоратив-ное искусство подразделяется на непосредственно связанное с архитектурой монументально-декоративное искусство (создание архитектурного декора, росписей, рельефов, статуй, витражей, мозаик, украшающих фасады и интерьеры, а также парковой скульптуры), декоративно-прикладное искусство и оформительское искусство (художественное оформление празднеств, экспозиций выставок и музеев, витрин и т.п.). Создаваемые как элемент или деталь композиции (площади, улицы, парка, здания, а также интерьера, костюма и т.д.) произведения декоративного искусства (в отличие от станковых) играют существенную роль в объемно-пространственной организации ансамбля. Идейно-образное удержание произведений декоративного искусства наиболее полно раскрывается при восприятии их в том ансамбле, для которого они предназначены.

Декоративно-прикладное искусство – раздел декоративного искусства; охватывает ряд отраслей творчества, которые посвящены созданию художеств, изделий, предназначенных главным образом для быта. Произведениями декоративно-прикладного искусства могут быть: различная утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, а также одежда и всякого рода украшения. Наряду с делением произведений декоративно-прикладного искусства по их практическому назначению в научной литературе со 2-й пол. XIX в. утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево) или по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, шитье, чеканка, интарсия и т.д.). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

Наряду с родовым членением большое значение имеет возникающее на пороге Нового времени, а именно в эпоху Возрождения, подразделение изобразительных искусств на жанры. Жанр художественный (франц. genre, от лат. genus, родительный падеж generis – род, вид) определяется как исторически сложившееся внутреннее подразделение во всех видах искусства.
В каждой области художественной деятельности жанровая дифференциация особая в зависимости от специфики вида искусства: такой жанровый ряд, как бытовой жанр – «портрет – пейзаж – натюрморт», свойственен живописи и невозможен в музыке, литературе и киноискусстве; точно так же «песня – романс – кантата – оратория» есть ряд специфических музыкальных жанров. Существуют тем не менее и общие для всех искусств принципы жанровой дифференциации, которые лишь по-своему преломляются в каждом виде. Принципы эти (и соответственно определения жанров) многообразны и взаимно пересекаются, что породило множественность точек зрения на саму проблему жанра. Построение относительно целостной системы жанровой классификации, адекватной исторически самоорганизующейся реальной системе видовых, родовых и жанровых форм, – дело будущего.

Поскольку в художественном творчестве объединяются познавательные, идейно-оценочные, образно-созидательные устремления и поскольку каждое из них действует избирательно, постольку выделение художественных жанров идет одновременно по нескольким направлениям, закономерно друг с другом связанным. Так, познавательная избирательность художественного творчества порождает серию жанров, отличающихся по предмету отражения: например, исторический, пейзаж, портрет, натюрморт и другие – в живописи. С другой стороны, в скульптуре членение на жанры отражает не тематическое содержание, как в живописи и графике, а цель создания произведения и задачу. Так, одни и те же формы портрета могут служить жанру надгробия, кабинетной пластики, мемориала и т.д.

Таким образом, понятие жанра многопланово, и в каждом виде искусства конкретное соотношение разных плоскостей (возникающих от разных исходных принципов) жанровых членений образует специфическую систему жанров. Вместе с тем в каждом из них специфично и соотношение жанровых членений с другими уровнями деления форм художественной деятель-ности – с делением вида искусства на разновидности и роды. Изучение соотношения всех этих (и ряда других) плоскостей дифференциации художественного творчества находится еще в зача-точном состоянии и потому сами термины «жанр», «род», «вид», «разновидность» употребляются нередко один вместо другого, не получая строго однозначного определения. Существенно тут не решение терминологической задачи самой по себе, а изучение законов морфологии искусства и исторической динамики соотношения различных жанровых, родовых и прочих его модификаций. А это соотношение явственно меняется в историко-художественном процессе: так, искусство Возрождения не знает еще четких демаркационных границ между жанрами; в XVII–XVIII вв. эстетика классицизма установила жесткие правила, призванные обеспечить чистоту каждого жанра в общей иерархической жанровой системе (именно тогда во Франции и вошел в обиход сам термин «жанр»); в XIX в. развернулся процесс взаимодействия жанров, их сплетения и скрещения, жестко установленные границы стали размываться. Некоторые современные теоретики признают жанровую дифференциацию вообще устаревшей и снимают даже проблему жанра.


Периодизация истории искусства

Способность искусства модифицироваться не только на уровне пространственных решений (монументальное, декоративное, станковое), но и эволюционировать во времени ставит задачу периодизации истории искусства, накопившей к настоящему времени исключительно богатый материал, нуждающийся в исторической дифференциации. Традиционно периодизация пластических искусств начинается с зарождения эстетической деятельности человека, становление которой приходится на рубеж Ориньякско-Солютрейского времени верхнего палеолита, то есть наиболее позднего периода древнекаменного века, что составляет приблизительно 35–30 тыс. лет тому назад. Наивысшего расцвета искусство палеолита достигает в эпоху Ля Мадлен (по названию французского грота, где были сделаны первые относящиеся к данной эпохе находки), которая датируется 20–10 тыс. лет тому назад. Далее искусство доисторической эпохи подразделяется на искусство мезолита (среднекаменного века) – приблизительно 10–7 тыс. лет тому назад, искусство неолита и бронзы. Причем последние два периода имеют уже свою периодизацию для каждого конкретного региона и порою совпадают с формированием ранних предгосударств и государст-венных образований, что и открывает эпоху профессионального искусства.

Так, на территориях, наиболее благоприятных для сельскохозяйственной деятельности, уже на пороге 5–4 тысячелетия до н.э. начинают формироваться предгосударственные социальные структуры, а в конце 4 тысячелетия формируются древнейшие восточные деспотии в долинах рек Нила и междуречье Тигра и Евфрата. С этого периода и вплоть до начала 1 тысячелетия до н.э. разворачивается история искусств Древнего Востока, охватывающая эволюцию художественной культуры Древнего Египта, Древней Месопотамии, Хетто-Хурритской культуры и культуры Эгейского мира. Внутри каждой цивилизации имеется своя периодизация истории и, соответ-ственно, истории искусства.

С конца второго тысячелетия принято начинать периодизацию истории искусства античного мира, включающую в себя историю искусства Древней Греции, эллинизма и Древнего Рима, ограничиваемую сроками от XII века до н.э. до середины V века н.э.

С середины V в. н.э. начинается история искусства Византийской империи и западноевро-пейского средневековья, которая в равной степени завершается к XV в. Гибель Византийской империи под натиском турецкого завоевания приводит к исчезновению этой цивилизации, а для европейской культуры с XV века начинается новый этап развития истории искусства – искусство эпохи Возрождения. В дальнейшем история искусства Нового (XVII – нач. XIX вв.) и Новейшего времени (вер. XIX в. – по настоящее время) подразделяется уже в рамках конкретной национальной истории.

Некоторыми особенностями отмечена периодизация отечественной истории искусства. Древнейшее искусство Восточной Европы формировалось начиная с 4 тысячелетия до н.э. Первые предгосударственные образования на территории нашей страны относятся ко второй половине
1 тысячелетия н.э., а с IX по XVII вв. разворачивается период Древнерусского искусства. Русское искусство Нового времени согласно принятой периодизации приходится на XVIII – первую половину XIX веков, а в последней трети XIX века по настоящее время формируется худо-жественная культура России Новейшего времени.


Происхождение и социальные функции искусства

Истоки искусства уходят в глубокую древность. Многочисленные произведения изобрази-тельного творчества – наскальные росписи, статуэтки из камня и кости, орнаментальные узоры на кусках оленьих рогов и каменных плитах – появились намного раньше сознательного представления о художественном творчестве. Первые произведения искусства поражают неповторимой свежестью восприятия, яркостью и силой выражения и настолько жизненны, что сохраняют художественную значительность до наших дней.

Зарождение искусства и первые шаги художественного развития человечества восходят к первобытнообщинному строю, когда закладывались основы материальной и духовной жизни общества. Исследования историков и археологов дают основание утверждать, что первые памятники искусства относятся к верхнему палеолиту. Это была эпоха сравнительной зрелости первобытнообщинного строя, сложения рода, возникновения матриархата. По своим физическим данным человек уже ничем не отличался от современного. Он владел речью, делал довольно сложные орудия из камня, кости, рога, дерева, охотился на зверей. С расширением общественно-трудовой деятельности человека обогащался его кругозор. Предшествующие многие тысячи лет развития древних племен воспитали верность глаза, гибкость руки, способность выделить главное и характерное, умение видеть присущую природе красоту и гармонию форм. На этой основе зародились зачатки эстетического чувства.

Своим возникновением искусство обязано не биологической природе человека, не религии, магии или игре, как это утверждает идеалистическое искусствознание, а развитию общественной жизни и ее основе – труду, который, по словам Г.В. Плеханова, «старше искусства».

Труд – творческий процесс, он преображает самого человека, его мозг и чувства, изменяет его природу, «развивает дремлющие в ней силы». Чтобы могло появиться искусство, человек должен был научиться видеть и чувствовать. Без тренировки руки при работе с камнем человек не мог бы научиться рисовать. Должны были развиваться музыкальное ухо, глаз, умеющий видеть красоту формы и цвета, чтобы родились песня или произведение живописи.

Воздействуя на природу, человек познавал ее. У него возникали образы, которые находили выражение в слове, в музыкальных звуках, в рисунках. Они не были бездумным копированием окружающего мира, а закрепляли результаты трудового жизненного опыта, расширяя и углубляя представление о действительности. Труд пробуждал в человеке способность видеть качест-венное многообразие и богатство окружающего мира. Работая над орудиями труда из камня, дерева, люди знакомились с разными видами и свойствами материалов, приучались четко воспринимать особенности объема и поверхности. Охота давала возможность наблюдать животных, их повадки и т.д.

Процесс труда воспитывал в человеке понятие целесообразности и соответствия формы предмета его назначению и содержанию. С усложнением функций орудий труда они приобретали более целесообразную и изящную форму. Ритм трудовых движений воссоздавался в искусстве в повторяющихся линиях, формах. Процесс труда знакомил человека с законами симметрии и гармонии, порождал чувство меры и упорядоченности, что имеет важное значение в искусстве.

Уже в некоторых каменных плитах, найденных в пещере Ла-Ферраси во Франции (период Мустье, предшествующий верхнему палеолиту), можно видеть элементы эстетического характера – ритмически повторяющиеся красочные полосы и пятна, а также выдолбленные чашечки, расположенные в определенном порядке. Вещи, создаваемые человеком, не только утилитарно полезны – они начинают доставлять эстетическое наслаждение.

Решающее значение для развития искусства имели сознательность, целеустремленность процесса труда, наличие предварительного замысла, который человек в процессе труда стремился осуществить. Это отличает труд человека от инстинктивной деятельности животных, порожденной биологическими потребностями, например поисков пищи, витья гнезд птицами, построения плотины бобрами и т.д.

Произведения искусства в эпоху Каменного века были порождены конкретными практическими потребностями. Они отражали повседневную трудовую деятельность древнего человека и

возникшее на ее основе стихийно материалистическое миросозерцание. Труд, искусство, мифология, магия и зачатки научных представлений не были расчленены, а выступали слитно. Рисуя животное, добыча которого была жизненно необходимой, первобытный охотник познавал его. Первобытный человек не отделял себя от природы, он отождествлял себя с ее явлениями и силами и приписывал себе возможность магически воздействовать на них.

В основе этих представлений лежала наивная вера в возможность преобразования природы с помощью колдовских заклинаний. Подобно охотничьим танцам, инсценирующим сцены охоты, наскальные росписи и рисунки, изображающие животных, были связаны с магическим обрядом, который, согласно представлениям первобытного человека, должен был обеспечить удачу на охоте. Овладевая изображением зверей, человек, казалось, обеспечивал себе победу над ними. В этом своеобразном фантастическом мышлении поэтически воплощалось стремление человека к овладению мира. В нем содержались элементы эстетического восприятия, из которого развилось искусство.

Первобытное искусствоискусство эпохи первобытнообщинного строя. Первобытное искусство возникло около 30-го тысячелетия до н.э., в позднем палеолите. Закрепляя в искусстве результаты трудового опыта, человек углублял и расширял свои представления о действительности, обогащал свой духовный мир и все более возвышался над природой. Возникновение искусства означало поэтому огромный шаг вперед в познавательной деятельности человека, способствовало укрепле-нию социальных связей и усилению первобытной общины. Непосредственной причиной возник-новения искусства были реальные потребности повседневной жизни. Так, например, искусство палеолита выросло из охотничьих и военных упражнений, из своеобразных инсценировок, образно передававших трудовые занятия первобытной общины, жизнь животных. В возникновении песни и музыки большое значение имели ритмы трудовых процессов и то обстоятельство, что музыкальное и песенное сопровождение помогало организации коллективного труда.

Произведения изобразительного искусства появляются уже в ориньякское время (то есть в caмом начале позднего палеолита). Важнейшие памятники искусства палеолита – пещерные изображения в пещерах Испании (Альтамира и др.), Юга Франции (Ля Рош, Монтеспан и др.), России (Капова пещера), где преобладают полные жизни и движения фигуры крупных животных, являвшихся основными объектами охоты (зубров, лошадей, оленей, мамонтов, хищных зверей и др.). Реже встречаются изображения людей и существ, совмещающих признаки человека и животного, отпечатки рук, схематические знаки, частично расшифровываемые как воспроиз-ведения жилищ и охотничьих ловушек. Пещерные изображения исполнялись черной, красной, коричневой и желтой минеральными красками, реже – в виде барельефов, часто основанных на сходстве естественных выпуклостей камня с фигурой животного. Кроме того, в позднем палеолите появляются произведения круглой скульптуры, изображающие людей и животных (в т. ч. глиняные статуэтки женщин – т. н. ориньякско-солютрейские «Венеры», связанные с культом «прародитель-ниц»), а также первые образцы художеств, резьбы (гравировка на кости и камне).

Характерная черта палеолитического искусства – его наивный реализм. Поразительная жизненность многих палеолитических изображений зверей обусловлена особенностями трудовой практики и мировосприятия палеолитического человека. Меткость и острота его наблюдений определялись повседневным трудовым опытом охотников, вся жизнь и благосостояние которых зависели от знания животных, от умения выследить их. При всей своей жизненной выразительности искусство палеолита являлось, однако, в полной мере первобытным, младенческим. Оно не знало обобщения, передачи пространства, композиции в нашем понимании этого слова.

В значительной мере основой палеолитического искусства было отображение природы в живых, персонифицированных образах первобытной мифологии, одухотворение природных явлений, наделение их человеческими качествами. Основная масса памятников палеолитического искусства связана с первобытным культом плодородия и охотничьими обрядами. В позднем палеолите складываются и зачатки архитектуры. Палеолитические жилища, по-видимому, были низкими, углубленными примерно на треть в землю куполообразными постройками, иногда с длинными туннелеобразными входами. В качестве строительного материала употреблялись иногда кости крупных животных. Многочисленные образцы позднепалеолитического искусства обнаружены на территории бывшего СССР – на Украине (Мезинская стоянка), в Белоруссии, на Дону (Костенковско-Борщевские стоянки), в Грузии, Сибири (Буреть, Мальта).

Первое общественное разделение труда, связанное с переходом от охоты к земледелию и скотоводству, способствовало развитию новых тенденций в искусстве. Появились изображения, передающие более сложные и отвлеченные понятия; сильнее, чем прежде, развилось декоративно-орнаментальное направление, сложившееся уже в палеолите (украшение бытовых предметов, жилища, одежды). В эпохи неолита и энеолита и отчасти в Бронзовом веке у древних племен Египта, Индии, Передней, Малой и Средней Азии, Китая распространяется искусство, во многом связанное с земледельческой мифологией: крашеная керамика с орнаментами (в Дунайско-Днепровской области и Китае – сложные криволинейные, главным образом, спиральные узоры; а в Средней Азии, Иране, Индии, Месопотамии, Палестине и Египте – прямолинейно-геометрические узоры, нередко в сочетании с изображениями животных и стилизованными человеческими фигурами). Наряду с декоративной орнаментикой у многих земледельческих племен существовала жизненно выразительная скульптура. Зодчество неолита и энеолита представлено архитектурой общинных поселений (многокомнатные сырцовые дома Средней Азии и Двуречья, жилища трипольской культуры с каркасной основой из прутьев и глинобитным полом и т.д.). В эпоху неолита появились также первые мегалиты и свайные постройки.

У племен, сохранивших рыболовно-охотничий уклад жизни (лесные охотники и рыболовы Северной Европы и Азии (от Норвегии и Карелии на Западе до Колымы на Востоке), бытовали и древние мотивы, и реалистические формы искусства, унаследованные от палеолита. Таковы наскальные изображения, фигурки животных из глины, дерева и рога (например, находки в Горбуновском торфянике и Оленеостровском могильнике). Наскальные изображения эпохи неолита и поздней бронзы создавались также в Средней Азии (3араут-Сай) и на Кавказе (Кобустан).

В степях Восточной Европы и Азии скотоводческие племена создали в конце Бронзового и начале Железного века т.н. звериный стиль. Культурные связи с Древней Грецией, странами Древнего Востока и Китаем способствовали появлению новых сюжетов, образов и изобрази-тельных средств в художественной культуре племен южной Евразии. Позднейшие этапы первобытного искусства были связаны с ростом производительных сил, развитием разделения труда в период начавшегося разложения первобытнообщинного строя и началом формирования классового общества. Богатое и разнообразное искусство, органически связанное с формами первобытного искусства, продолжало существовать вплоть до XIX–XX вв. у народов, в значительной степени сохранивших первобытнообщинные отношения (аборигены Австралии, Океании и Южной Америки, народы Африки).


Становление художественной культуры классового общества

Искусство первобытного общества в поздний период своего развития подошло к разработке композиции, к созданию монументальной архитектуры и скульптуры. Искусство впервые достигло цельности, единства, завершенности и синтеза всех форм, служа выражением больших, всеобъемлющих идей: на всех произведениях искусства, имевшего общественный характер, лежит отпечаток эпичности, особой значительности и торжественности. Эти качества привлекали внима-ние последующих поколений. Даже тогда, когда глубокие противоречия привели к гибели Древний мир.

Рабовладельческий строй, пришедший на смену общинно-родовому, был исторически законо-мерен и имел, по сравнению с предшествующей эпохой, прогрессивное значение. Он стал основой дальнейшего роста производительных сил и культуры. Эксплуатация рабов породила разделение труда физического и умственного, что создало почву для развития различных форм духовного творчества, в том числе и искусства. Из безымянной среды ремесленников выдвигаются крупные зодчие, ваятели, резчики, литейщики, живописцы и т.д.

Если в доклассовом обществе искусство являлось частью материально-трудовой деятельности человека, то с возникновением классового государства оно стало своеобразной формой сознания и приобрело важное значение в общественной жизни и классовой борьбе. Художественное творчество в своей основе сохраняло народный характер, формируясь в сфере мифологического мышления. Усложнение общественной жизни способствовало расширению образно-познава-тельного диапазона искусства. Магические обряды, погребальные ритуалы первобытного человека преобразовались в торжественные церемониалы. Погребальные холмы заменялись гробницами, ковчеги – храмами, палатки – дворцами, магические наскальные росписи – изобразительными циклами, украшавшими храмы и гробницы; они увлекательно повествовали о жизни людей Древнего мира, хранили застывшими в камне народные легенды, сказания и мифы. Вместо наивных ритуальных статуэток появились монументальные, иногда гигантские статуи и рельефы, увековечивавшие образы земных владык и героев. Различные виды искусства – архитектура, скульптура, живопись, прикладное искусство – вступали друг с другом в содружество. Синтез искусств стал важнейшим завоеванием художественной культуры Древнего мира.

В исполнении произведения начинает сказываться различие между ремеслом и искусством. Достигаются совершенство формы, утонченность в орнаменте, изящество в обработке дерева, камня, металла, драгоценных камней и т.д. Острая наблюдательность художника теперь сочета-ется с умением мыслить обобщенными понятиями, что находит отражение в возникновении постоянных типов, в укреплении чувства художественного порядка, строгих законов ритма. Худо-жественное творчество в этот период, по сравнению с доклассовым обществом, становится более целостным, оно объединяется едиными принципами и идеями эпохи. Возникают большие монументальные стили.

В религии совершаются сложные процессы перехода от поклонения зверю к представлениям о богах, подобных человеку. Одновременно и в искусстве все более утверждается образ человека, прославляются его деятельная сила, его способность к героическому подвигу.


Становление художественной культуры Древнего мира

При всем разнообразии исторического развития рабовладельческих обществ Древнего мира для них были характерны две формы. Первая – восточная, где долго сохранялся общинный строй с его патриархальными устоями. Здесь рабовладение развивалось в замедленных темпах; гнет эксплуатации ложился и на рабов, и на большую часть свободного населения. Рабовладельческие деспотические государства возникают между 5 и 4 тыс. до н.э. в долинах и дельтах больших рек – Нила (Египет), Тигра и Евфрата (древнейшие государства Двуречья) и др. Идейное содержание искусства древних деспотий определялось главным образом требованием прославления власти богов, легендарных героев, царей, увековечения общественной иерархии. Художники черпали также сюжеты из современной жизни, уделяя особое внимание сценам коллективного труда, охоты, празднествам (Египет), военным историческим событиям (Передняя Азия), воспроиз-веденным в монументально-эпическом плане. Длительное сохранение общинных отношений тормозило развитие интереса к отдельному человеку, его личным качествам. Искусство Передней Азии подчеркивало в образе человека общие родовые начала, иногда заостряло этнические черты. В Египте, где личность человека приобрела большое значение, портрет впервые в истории получил совершенное художественное воплощение, в значительной мере определив путь дальнейшего развития этого жанра. В искусстве древневосточных деспотий живое наблюдение натуры сочетается с народной художественной фантазией или условностью, оттеняющей социальную значительность изображаемого персонажа. Эта условность медленно преодолевалась в истории развития древней восточной культуры. Искусство все еще не до конца отделилось от ремесла, творчество оставалось большей частью безымянным. Однако в искусстве древневосточных государств уже ярко выражена устремленность к значительному и совершенному.

Вторая форма рабовладельческого общества – античная – характеризуется быстрой сменой примитивной эксплуатации развитой, вытеснением деспотий греческими государствами-полисами, общественной активностью свободного населения, занимающегося трудом. Относительно демокра-тический характер античных государств, расцвет личности, тенденции гармоничного развития обусловили гражданственность и человечность античного искусства. Развиваясь на основе мифо-логии, тесно связанной со всеми сторонами общественной жизни, греческое искусство было самым ярким проявлением реализма в Древнем мире. Мироздание перестало быть для греческих мыслителей чем-то неведомым, подчиненным неодолимым силам. Ужас перед грозными божест-вами сменился стремлением постичь природу, использовать ее на благо человека. В искусстве Древней Греции был воплощен идеал красоты гармонично развитой личности, утверждавший этическое и эстетическое превосходство человека над стихийными силами природы. Античное искусство периода его расцвета в Греции и Риме обращалось к массам свободных граждан, выражая основные гражданственные, эстетические и этические представления общества.

В эпоху эллинизма – следующий этап развития античной художественной культуры – искусство обогатилось новыми разнообразными аспектами восприятия жизни. Оно стало эмоцио-нально напряженным, проникнутым драматизмом и динамикой, но утратило гармоническую ясность. На последнем этапе своего развития, в эпоху Римской республики и империи, античное искусство пришло к утверждению значения индивидуально неповторимой личности. Искусство эпохи поздней империи – эпохи упадка античной культуры – содержало в зародыше то, что принесло плоды впоследствии. Мыслители и художники обращались к внутреннему миру человека, намечая пути развития европейского искусства Средних веков и Возрождения.

Исторически обусловленная ограниченность античного искусства заключалась в том, что оно прошло мимо социального быта, социальных противоречий. Античное искусство обращалось главным образом к свободным гражданам. Ни в Греции, ни в Риме нельзя найти в виде сложившейся системы искусство угнетенного класса – рабов. Материально и духовно задавленные рабы редко могли развить свои способности.


Художественная культура Древнего Египта и Древней Передней Азии

Египет – одно из древнейших государств мира, а его искусство – один из самых ранних вкладов в историю культуры стран Древнего Востока. Шесть тысяч лет тому назад в плодородной долине Нила, изолированной от внешних врагов песками пустынь, возникли первые государства, объединенные в конце 4 – начале 3 тыс. до н.э. в централизованную деспотию. К этому же времени относятся величайшие произведения древнеегипетского изобразительного искусства и архитектуры, до сих пор поражающие своим величием, грандиозностью и мощью. Нигде и никогда до этого времени не было создано столь зрелых и совершенных скульптурных портретов, столь ясных и монументальных архитектурных форм. Никогда еще человек и его жизнь не играли в искусстве такой важной роли, не привлекали такого пристального внимания художников, а тема человеческого труда не была так акцентирована.

Хотя в искусстве Древнего Египта образ человека был связан с религиозным культом, с прославлением и обожествлением правителя, мастера сумели выразить в своих произведениях внутреннюю значительность и силу чувств, остро и смело обрисовать характеры.

Египетские пирамиды, храмы с рельефами и росписями, ставившие целью прославление земных и небесных владык, свидетельствовали о большой художественной одаренности одного из древнейших народов мира, увлекательно и ярко рассказывали о его жизни, о красоте природы и людей, которых искусство обессмертило. Особенности величественной природы Египта – дыхание засушливых и грозных ветров пустыни, пепельный цвет песчаных равнин, обилие в недрах гор различных пород камня и отсутствие леса – во многом определили суровую красоту родившегося на этой почве искусства.

Египетская культура развивалась медленно. Сложившиеся в древности каноны, правила и традиции, сохраняясь тысячелетиями, передавались из поколения в поколение. Это объяснялось застойным характером древневосточных общин, деспотической властью фараонов, предельно ограничившей свободу личности, и пережитками первобытнообщинного строя, сохранившимися до позднего времени. Устойчивость религиозных представлений и культовое назначение памятников искусства определили веками установленные строгие правила выбора тем, расположения сцен в рельефах и живописи, поз и жестов в круглой скульптуре. На протяжении веков в египетском искусстве отбирались наиболее совершенные способы изображения и выразительные средства. В пределах канонов мастера сумели передать сложный и величавый образ человека, отразить богатство мифологических представлений.

Историю Древнего Египта, как и историю культуры, принято делить на следующие большие периоды:

1) Додинастический период (4 тыс. до н.э.);

2) Древнее царство (30–23 вв. до н.э.);

3) Среднее царство (21–18 вв. до н.э.);

4) Новое царство (16–11 вв. до н.э.);

5) Позднее время (11 в. – 332 г. до н.э.).

Каждый из этих периодов явился значительным этапом в развитии древнеегипетского искус-ства, которое имело свои спады и подъемы, связанные с историческими судьбами, переживаемы-ми страной. Завершающим в истории Древнего Египта считается 332 г. до н.э., когда страна была завоевана войсками Александра Македонского и включилась в орбиту эллинистического мира.

Одной из наиболее древних культур наряду с египетской была культура, созданная народами Передней Азии. В плодородных долинах Тигра и Евфрата (Двуречье), а также прибрежных райо-нах Средиземного моря и горных областях центральной части Малой Азии на заре цивилизации возникли очаги древнейшей культуры. На протяжении трех тысячелетий (с конца 4 тыс. до н.э.) здесь создавались, возвышались, гибли под натиском врагов и снова набирали силу такие ранние рабовладельческие государства, как Шумер, Аккад, Вавилон, Сиро-Финикия, Ассирия, госу-дарства хеттов, Урарту и другие. Каждое из этих государств внесло свой замечательный вклад не только в культуру Древнего Востока, но и в историю мирового искусства в целом. В кратких рамках учебника невозможно проследить путь искусства всех народов, населявших территорию Передней Азии в эпоху древности. Поэтому здесь рассматриваются лишь наиболее важные этапы развития художественной жизни таких ведущих государств Двуречья, как Шумер, Аккад, Ассирия и Вавилон.

Переднюю Азию можно назвать своеобразной колыбелью мировой цивилизации. Разнообразные народы, входившие в состав Шумера, Вавилона, Ассирии и других государств, благодаря географи-ческому расположению находились в соприкосновении как с Азиатским материком, так и с Юго-Восточной Азией, и крито-микенским миром. Именно поэтому целый ряд художественных открытий древности стал достоянием многих стран.

Разноплеменная культура Передней Азии вместе с тем не была однородной. Сменявшие друг друга народы, несшие с собой новые веяния, зачастую безжалостно уничтожали то, что было создано их предшественниками. И тем не менее, в своем развитии они неизбежно опирались на опыт прошлого.

В искусстве Передней Азии получили развитие те же виды изобразительного искусства, что и в Египте. Главенствующую роль здесь также играла монументальная архитектура, тесно связанная с другими видами искусства. В государствах Двуречья важная роль принадлежала круглой скульптуре, рельефу, мелкой пластике, ювелирному искусству. Создавались и настенные росписи. Но многие черты заметно отличают искусство Передней Азии от египетского. Иные природные условия определили особенности архитектуры Двуречья. Разливы рек вызвали потребность возведения зданий на возвышенных местах. Отсутствие камня привело к строительству из менее долговечного материала – сырцового кирпича. Вследствие этого сложились не только особенности архитектурной формы с ее простыми кубическими объемами, отсутствием криволинейных очертаний, но и иное осмысление орнаментации. Введение вертикального членения плоскостей стен нишами и выступами, применение звучных цветовых акцентов способствовали не только уничтожению монотонности кирпичной кладки, но и обогащению архитектурного образа.

В связи с неразвитостью заупокойного культа в Двуречье не получила столь интенсивного развития, как в Египте, монументальная пластика крупных форм. Но статуи божеств и правителей разнообразны по пластическим решениям, отмечены печатью значительности. В рельефах Двуречья также рождаются и новые темы, связанные с рассказом о победоносных войнах, деяниях правителей. Наряду с рельефом и круглой пластикой распространение получает глиптика – резные цилиндрические печати-амулеты, покрытые тончайшей резьбой с изображением людей, животных, фантастических сцен. В этом виде искусства народы Передней Азии достигли высочайшего совершенства.

Памятников искусства народов Передней Азии сохранилось до наших дней значительно меньше, чем памятников искусства Египта. Войны, пожары, равно как и непрочные строительные материалы, способствовали их разрушению. Однако до нас дошел целый ряд разнообразных художественных произведений, созданных на протяжении 4–3 тыс. до н.э. в древнейших государствах Двуречья – Шумерийском и Аккадском, позволяющих судить об основных особенностях искусства Передней Азии. Древние Шумер и Аккад, исторические судьбы которых тесно переплелись друг с другом, как бы заложили первый мощный фундамент культуры Двуречья. Именно здесь возникла письменность, сложились основные образы и типы зодчества, сформировались рельеф, круглая пластика, глиптика, художественное ремесло.


Художественная культура Эгейского мира

Своеобразным связующим звеном между Востоком и Древней Грецией являлась эгейская культура, которая существовала на островах и побережье Эгейского моря (остров Крит), материковой Греции (города Микены и Тиринф), на западном побережье Малой Азии (город Троя). Расцвет этой древней культуры приходится на 2 тыс. до н.э. Эгейцы принадлежали к тому же племени, что и хетты, создатели могущественного государства Малая Азия. В 3 тыс. до н.э. эта территория была заселена пеласгами, позже – греками-ахейцами.


Искусство Древней Греции

Древнегреческое искусство заняло в истории культуры человечества особо важное место. Это в значительной мере объясняется своеобразием исторического развития Древней Греции, где, несмотря на существование рабства, долгое время большую роль играл свободный труд ремеслен-ников и земледельцев. Лишь к концу 5 в. до н.э. рабовладение стало оказывать разрушительное действие на труд свободного производителя. В рамках рабовладельческого общества в Древней Греции сложились первые в истории принципы демократии, которые дали возможность сформироваться передовым идеям, утверждавшим красоту и величие человека. Несмотря на то, что благами демократии пользовались лишь свободные граждане полиса – рабы полностью исключались из сферы общественной жизни, являясь лишь одной из форм собственности, – эта ограниченная демократия все же была важным шагом по пути прогресса в истории общества.

Греческие племена населяли Балканский полуостров, острова Эгейского моря и узкую прибрежную полосу малоазийского побережья. Перейдя от первобытнообщинного строя к классо-вому обществу, они образовали ряд небольших городов-государств, так называемых полисов. По сравнению с огромными рабовладельческими деспотиями Древнего Востока греческие города-государства были очень малы. Полис, то есть город и прилегающая сельская округа, часто насчитывал лишь несколько тысяч семей. И все же не могущественные державы Древнего Востока с их тысячелетней культурой, а сравнительно бедные и небольшие греческие полисы совершили великий перелом в судьбах культуры и искусства.

Произведения греческого искусства поражали последующие поколения реализмом и гармоническим совершенством, утверждением высокого нравственного начала, красоты, силы, достоинства человека. Не случайно Софокл, великий творец трагедий, мог сказать в своей «Антигоне»: «Много в природе дивных сил, но сильней человека нет».

В пору наивысшего расцвета греческой рабовладельческой демократии в 5 в. до н.э. сознание свободного грека было проникнуто чувством гражданской ответственности, в органическом единстве соединялись в нем личные и общественные интересы. Наиболее значительные постройки, а также произведения монументальной скульптуры и живописи принадлежали всей общине, а позже – городу-государству. Вплоть до 4 в. до н.э. в частном пользовании отдельных граждан находились лишь небольшие статуэтки и произведения прикладного искусства (вазы и т.п.).

Греки придавали большое значение доблести человека, проявляющейся в его облике и поступках. Человек-гражданин полиса мыслился как всесторонне развитая личность: он участвовал в решении государственных дел, закалялся физически в гимнастических играх, в случае необходимости он становился воином. Полис стремился также обеспечить его всесто-роннее эстетическое развитие. В связи с этим возникло понятие о гармоничной человеческой личности, об идеале. Особое внимание уделяли греки воспитанию мужественного человека-гражданина, его духовных и физических качеств. Физическая и волевая закалка имела огромное значение в подготовке полноценного участника народного ополчения – защитника отечества. Вместе с тем спорт, постоянная тренировка воспринимались как непременное условие воспитания гармонически развитого прекрасного человека. Общегреческие спортивные состязания в Олимпии (на Пелопоннесском полуострове), которые проводились раз в четыре года, были своего рода смотром физической и духовной доблести. По Олимпиадам с 3 в. до н.э. велся счет времени, победителям сограждане воздвигали статуи. Созерцание на состязаниях прекрасных обнаженных форм и вместе с тем представление о неразрывной связи физической силы и красоты с морально-эстетическим идеалом способствовали расцвету искусства, в частности скульптуры.

Большую роль в развитии эстетического чувства играли общественные культовые празднества, а затем театральные представления, состязания певцов, торжественные процессии в честь бога – покровителя полиса. Например, традиционное шествие афинян в праздник Великих Панафиней, посвященное богине Афине, являлось, по существу, демонстрацией могущества и красоты греческого народа.

Искусство Древней Греции было связано с религиозным культом и с мифологией. Но греческая религия не знала ни касты жрецов, ни вероисповедной догматики, которая накладывала свою печать на искусство Египта и Двуречья.

Греки чтили память своих предков-героев, наделяя их всеми чертами возвышенной человеч-ности, почитали определенные места в природе (места подвигов, знаменательных событий в жизни). Культ мест и героев имел государственное значение. Он утверждал высокое представ-ление о человеке, о жизни родной общины, родного полиса. Каждая община в Греции имела своего бога-покровителя, олицетворяющего органическое единство ее членов. Религиозные верования греков имели общие истоки с мифологией, сложившейся еще в конце доклассового общества. Они воплощали в наивно-фантастических и художественно-наглядных образах всю сумму представлении греков о действительности. В чрезвычайно разнообразных мифах древних греков содержались зачатки науки, философии, а не только религии.

Характерная черта древнегреческой мифологии – очеловечивание ее образов. В образах Аполлона (бога солнца и покровителя искусства), Афины (богини мудрости, покровительницы ремесел и земледелия) и других богов и героев греки воплощали свое представление о совершенном человеке, о господстве разума, закона, гармонии, порядка как качеств общественных, побеждающих в героической борьбе неразумное, стихийное начало. Греческие храмы постоянно украшались изображениями, утверждающими красоту и величие человеческого коллектива, например победоносной борьбы людей – греков, руководимых Аполлоном, с безобразными кентаврами (согласно мифам, кентавры – полулюди, полукони), которые воплощали темные стихийные силы природы.

Поэтическая сила и гуманистическая основа мифологических образов способствовали утверждению героики и образа идеальной гармоничной личности в греческом искусстве. Философские взгляды, отчасти политические воззрения и прежде всего литература и искусство Древней Греции непосредственно или через эллинистическую и римскую культуру оказали огромное влияние на всю последующую историю культуры человеческого общества.

История Древней Греции и соответственно история греческого искусства прошли следующие периоды развития:

  1. Гомеровская Греция (11–8 вв. до н.э.).

  2. Архаика, период образования рабовладельческих городов-государств (7–6 вв. до н.э.).

  3. Классика, период расцвета греческих городов-государств (5 и 4 вв. до н.э.). В этом периоде принято выделять раннюю классику (490–450-е гг. до н.э.); высокую классику (450–410-е гг. до н.э.); позднюю классику (конец 5–4 вв. до н.э.).

С конца 4 в. до н.э. – так называемый эллинистический период, продолжавшийся до 1 в. до н.э. К концу 4 в. до н.э. на развалинах громадной державы Александра Македонского возникли государства нового типа – деспотические монархии, которые вступили в новый период исторического и культурного развития, получивший условное название эллинизма. Этот этап в развитии античного общества характеризуется сочетанием восточной и греческой форм общественного устройства, нарастающим контрастом между колоссальным богатством рабовла-дельческой верхушки и нищетой народных масс, безраздельной властью монарха и, по существу, полным бесправием граждан. Греция утратила былое экономическое и политическое значение. На первое место выдвинулись большие эллинистические государства: Египет, царство Селевкидов в Сирии, Пергам в Малой Азии, Родос и др. Для культуры эллинизма характерно широкое распространение традиций греческого искусства на грандиозную по размерам территорию эллинистического мира: от Сицилии на западе до Средней Азии и Индии на востоке, от Северного Причерноморья до Нубии в Экваториальной Африке. Важным моментом было и органическое объединение элементов греческой культуры с восточными традициями, с древними элементами местной культуры. Причем в различных областях соотношения между культурой местной и вступившей с ней во взаимодействие античной были разными.

В искусстве эллинистической Греции сильнее всего сохранилась связь с классическими традициями. Преимущественно на основах греческой культуры развивалось искусство государства Селевкидов, Пергамского царства и Родоса. В эллинистическом Египте заметнее черты слияния форм греческого искусства с местными. На территории Ирана и ранее освободившейся от греко-македонского подчинения Армении античные традиции были переработаны в духе самобытной местной культуры.

При всей сложности и пестроте общей картины эллинистического искусства его основные достижения связаны с дальнейшим развитием образа человека в монументальном искусстве. Обобщенный образ идеального героя – гражданина греческого полиса – был вытеснен образами более индивидуализированными, в которых подчеркивалось преувеличенное героическое начало, утрата душевного равновесия и самообладания. Возник интерес к социальным мотивам, лирически-интимным и будничным сторонам жизни. Острее передавались чувства человека, находившегося в трагическом конфликте с окружающей средой. Индивидуализм приводил к прославлению эгоистической личности, любыми средствами добивавшейся цели. Лучшие художники эпохи эллинизма сумели передать ее грандиозность и героику в образах огромного эмоционального наполнения и динамики, исполненных страстной патетики.

Эпоха эллинизма была отмечена крупными научными открытиями, развитием точных и естественных наук, материалистической философии, глубоким интересом к моральным и эстети-ческим проблемам. Бурные подъемы и кризисы, грандиозные военные битвы, восстания рабов и угнетенных народов способствовали зарождению в искусстве новых тем и образов, Естественно поэтому, что эллинистическое искусство значительно шире, чем искусство классики, отражало различные стороны жизни. Расширилась тематика, разрабатывались разнообразные художест-венные жанры. Архитектура и монументальная пластика тяготели к колоссальным масштабам, многофигурным группам, огромным рельефным композициям. Получила широкое развитие мелкая пластика бытового содержания, а также садово-парковая скульптура. Наряду с мифологи-ческими темами распространялись аллегорические, исторические, жанровые, портрет и пейзаж. Сильнее проявился интерес к повседневной жизни, к натуралистическим деталям и подробностям.

Лучшие произведения эллинистического искусства были созданы в период расцвета эллинис-тических государств, возникновения ряда самостоятельных культурных центров. В это время сложились новые принципы градостроительства. Если в классическую эпоху главным городским сооружением был храм, то теперь выделился административный и торговый центр города. Две пересекающие его улицы служили основными парадными магистралями. Наряду с храмами возводилось большое число гражданских, общественных и инженерных сооружений. В архитек-турные ансамбли включались произведения монументальной скульптуры.


Искусство Древнего Рима

С угасанием эллинистических государств с конца 1 в. до н.э. ведущее значение в античном мире приобретает искусство Древнего Рима. Впитав в себя многое из достижений культуры и искусства Греции, оно воплотило их в художественной практике колоссальной Римской державы, простиравшейся от Геркулесовых столбов (современный Гибралтар) на западе до Индии на востоке, от Британских островов на севере до Африканского континента на юге. В античный гуманизм римляне внесли черты более трезвого миропонимания. Точность и историзм мышления, суровая проза лежат в основе их художественной культуры, далекой от возвышенной поэтики мифотворчества греков.

Практический склад римской культуры сказывался во всем – в трезвости мышления, нормативном представлении о целесообразном миропорядке, в скрупулезности римского права, учитывавшего все жизненные ситуации, в тяготении к точным историческим фактам, в высоком расцвете литературной прозы, в примитивной конкретности религии. Божества римлян – это покровители отдельных видов человеческой деятельности, прежде всего общественной (боги удачи, плодородия, добродетели, мира и т.д.). Религия в Древнем Риме постепенно приобретала государственное значение, в ней большую роль начинали играть торжественные обряды.

Особенности трезвого, рационалистического восприятия действительности римлянами выражены в веризме (документальной точности), в своеобразном остром и суровом реализме, который составил основу римского искусства и впоследствии восхищал мастеров итальянского Возрождения.

Хронологические рамки искусства Древнего Рима охватывают почти тысячелетие – от его зарождения в конце 6 в. до н.э. до конца 5 в. н.э. – времени падения мировой империи. Начало древнеримского искусства относится к периоду республики (конец 5 – конец 1 в. до н.э.). Оно достигло расцвета в период образования мировой рабовладельческой державы (конец 1 в. до н.э.– 5 в. н.э.), разнородной по этническому и социальному составу, сложной по хозяйственной и общественной организации. Художественная культура Рима отличалась большим разнообразием и пестротой форм, в ней были отражены черты, свойственные искусству народов, покоренных Римом, иногда стоявших на более высокой ступени культурного развития. Римское искусство сложилось на основе сложного взаимопроникновения самобытного искусства местных италийских племен и народов, в первую очередь могущественных этрусков, обладателей древней высокоразвитой самобытной художественной культуры. Они познакомили римлян с искусством градостроения (различные варианты сводов, тосканский ордер, инженерные сооружения, храмы и жилые дома и др.), настенной монументальной живописью, скульптурным и живописным портретом, отличаю-щимся острым восприятием натуры и характера. Особенно большой вклад в создание римской культуры внесли греческие колонисты в Южной Италии и Сицилии, их богатые города были центрами научной жизни и художественной культуры античности. Римляне перерабатывали типы греческой архитектуры, принципы ордерной системы и декора.

Не меньшее значение в развитии римского искусства имели искусство эпохи эллинизма с его архитектурой, тяготевшей к грандиозным масштабам и крупным городским центрам, искусство варварских народов, постепенно вошедших в состав Римской империи, – галлов, германцев, кельтов. Их влияние сказалось в пристрастии к конкретным деталям, к экспрессивности выражения в пластике; к концу существования империи они оказали значительное влияние на архитектуру метрополии. Вбирая разнообразные, наиболее ценные элементы, римское искусство сохраняло свою самобытность.

Культура и искусство Древнего Рима решали задачи, поставленные последним этапом развития античного общества. В то время как в греческих полисах гражданин чувствовал себя неотъемлемой частью общества и соединение личных и общественных интересов было свободной и естественной формой «активного гражданства», Римское государство с его строгой системой управления противостояло отдельному человеку, осуществляя насилие не только над рабами, но и над свободными подданными. Верховная власть сосредоточивалась в руках сената, который мало считался с общенародными интересами. Часто судьба народа решалась произвольно тиранами, полководцами-победителями.

В период империи разлад между личностью и мировым порядком нашел выражение в распространении стоической философии, зародившейся в Греции. В подчинении личных интересов гражданскому долгу, страстей разуму, в самоусовершенствовании стоики искали выход из противоречий жизни.

Особенности исторического развития определили важнейшие отличия искусства римского от греческого. В богатейшем художественном наследии Древнего Рима скульптурный портрет, имевший глубоко познавательный смысл, завоевал едва ли не первое место. В нем проявились особый интерес к проблеме личности и ее судьбе, представление о конкретно-историческом характере рядового человека – гражданина Римского государства, сознающего свое значение как самоценной личности.

В римском искусстве периода расцвета ведущую роль играла архитектура, памятники которой и теперь, даже в развалинах, покоряют своей мощью. Римляне положили начало новой эпохе мирового зодчества, в котором основное место принадлежало сооружениям общественным, воплотившим идеи могущества государства и рассчитанным на огромные количества людей. Во всем Древнем мире римская архитектура не имеет себе равной по высоте инженерного искусства, многообразию типов сооружений, богатству композиционных форм, масштабу строительства. Римляне ввели инженерные сооружения (акведуки, мосты, дороги, гавани, крепости) как архитек-турные объекты в городской, сельский ансамбль и пейзаж.

Красота и мощь римской архитектуры раскрываются в разумной целесообразности, в логике структуры сооружения, в художественно точно найденных пропорциях и масштабах, в лаконизме архитектурных средств, а не в пышной декоративности. Огромным завоеванием римлян было удовлетворение практических бытовых и общественных потребностей не только господствующего класса, но и масс городского населения. Широта градостроительства, развивавшегося не только в Италии, но и провинциях, отличает римскую архитектуру. Восприняв от этрусков и греков рационально организованную, строгую планировку, римляне усовершенствовали ее и воплотили в городах большого масштаба.

Эти планировки отвечали условиям жизни: торговле огромного размаха, духу военщины и суровой дисциплине, тяготению к зрелищности и парадности. В римских городах в известной мере учитывались потребности свободного населения, санитарные нужды, здесь возводились парадные улицы с колоннадами, арками, монументами. Общественная жизнь протекала на форуме – площади, служившей центром торговой жизни столицы, ареной политической деятельности, народных собраний, военных триумфов. В архитектурный ансамбль входили храмы, базилики, лавки торговцев, рынки. Площади украшались статуями знаменитых граждан, политических деятелей и были окружены колоннами, портиками. Древнейший форум в Риме – республиканский форум Романум (6 в. до н.э.), к которому сходились все дороги столицы. С его трибун раздавались речи крупнейших римских ораторов, военачальников. В дальнейшем к этому форуму примкнули форумы Цезаря, императоров Августа, Веспасиана, Нервы и Траяна.

Потребности римского общества породили много типов сооружений: амфитеатры, термы, триумфальные арки, акведуки и др. На римской почве получили новое архитектурное решение дворцы, особняки, виллы, театры, храмы, мосты, надгробные памятники. Рационализм, лежавший в основе римской архитектуры, проявлялся в пространственном размахе, конструктивной логике и целостности гигантских архитектурных комплексов, строгой симметрии и четкости форм.

Главное завоевание римлян в строительстве общественных сооружений – создание огромных внутренних пространств, свободных от внутренних опор. Необходимость их перекрытия вызвала развитие мощных сводчатых и купольных конструкций, лишь ограниченно применявшихся на Востоке и в Греции. Римская техника стала широко использоваться в гражданской и культовой архитектуре. Она послужила образцом для развития византийской и европейской архитектуры.

Основной формой перекрытий был цилиндрический свод из бетона и камня. Его боковое давление воспринимала опорная стена, игравшая важную роль в римской архитектуре. Из пересечения двух цилиндрических сводов одинаковой высоты в подножиях свода (пятах) и вершине (где заложен замковый камень) получился крестовый свод. При равенстве пролетов он дает в плане квадрат. Внутренняя поверхность сводов образует в пересечении острые края – ребра, в основании которых сосредоточивается давление свода. Это дало возможность прорезать опорные стены полуциркульными арками, заменить стену отдельными столбами, принимавшими на себя давление арки. Так римлянами была создана ордерная аркада, сочетавшая системы ордерную архитравно-балочную и арочно-сводчатых перекрытий. Вытянутые в длину помещения залов-галерей обычно делились на квадраты и перекрывались цепью крестовых сводов, что порождало эффектное расчленение внутреннего пространства. Из равномерно поднимавшегося вверх перекрытия круглого в плане здания возник купольный свод, образовавший полушарие, покоившееся на цилиндрическом основании. Многоугольные в плане помещения перекрывались сомкнутыми сводами (монастырский свод) или сферическим куполом. В последнем случае купол опирался своим кольцом только на середину боковых стен, а переход от формы окружности к много-угольнику заполнялся вогнутыми сферическими стенами – «парусами».

Переход к сводчатым конструкциям совершился на рубеже 3–2 вв. до н.э., когда был введен открытый еще в 6 в. до н.э. прочный водоупорный римский бетон, состоявший из известкового раствора, вулканического песка и щебня. Благодаря прочности материала (обожженного кирпича, туфа, травертина), связующей силе раствора и тщательности выполнения, памятники римской архитектуры смогли тысячелетия противостоять натиску природы и общественным потрясениям.

При всех достижениях римской архитектуре свойственны и черты ограниченности. Гуманис-тическое начало, благородное величие и гармония, составляющие основу греческого искусства, в Риме уступили место тенденциям возвеличить власть императоров, военную мощь империи. Это порождало устремленность к масштабным преувеличениям, внешним эффектам, приводило подчас к ложному пафосу громадных сооружений, резко контрастировавших с жалкими лачугами бедняков, тесными кривыми улицами и городскими трущобами.


Искусство Византии и Средних веков

Средневековое искусство возникло и существовало на почве феодализма, более прогрессив-ной общественной формации по сравнению с рабовладельческим строем. Художественная культура феодального общества, отличаясь в нравственном содержании от этических и эстетических идеалов античности, внесла в мировое искусство неповторимый вклад.

Утверждение феодализма сопровождалось развитием местных производительных сил, распространением культурных завоеваний в отдаленные от больших центров города и селения. Культура проникла в широкие слои общества глубже, чем в Древнем мире, в искусстве сильнее ощущались народные представления и ярко выражала себя живая струя мифологического по характеру реализма, непохожего на античный. На протяжении Средних веков в Европе, Азии, Северной Африке образовались огромные этнические группы народов, а затем нации, которые до сих пор населяют земли этих материков. В Средние века были заложены основы их национальных культур и возникло множество местных школ, прямые традиции которых продолжают жить и теперь в искусстве современных наций. Это было время расцвета искусства масс: неистощимая фантазия народа, его поэтическое отношение к миру особенно ярко проявлялись в расцвете декоративных форм и прикладного искусства, на основе которых возникло монументальное синтетическое искусство Средних веков. Фольклор получил особенно широкое развитие в искусстве внеевропейских народов.

Искусство Средних веков в Западной Европе обращалось ко всему обществу, к народу. Церковь стремилась быть «всеобщей» – она обращалась к человеческому коллективу в целом и каждому члену общины в отдельности. Воинствующие религиозные идеи должны были дойти до всех. Античного раба, стоявшего вне гражданской и духовной жизни общества, сменил крепостной крестьянин, который при всем своем бесправии признавался членом гражданского коллектива. Сознание народных масс изменилось. Мысль о равенстве людей, зародившаяся в период кризиса рабовладельческой системы, воспоминания о жизни свободного франкского крестьянина возрождались в средневековых ересях, распространявшихся на огромные области. Средневековое крестьянство, объединенное в общины, горожане – в городские коммуны, сплоченно выступали против феодалов. Внутри феодального общества зрели силы, которые привели его к разрушению и к рождению нового общественного уклада.

Религиозные догматы христианства, буддизма, мусульманства накладывали печать на философию, мораль, нравственные представления. Религии средневековья освящали феодальный строй с его сословной иерархией, оправдывали страдания народа. Однако в недрах средневековой схоластики, в спорах философов Западной Европы, в науке народов Ближнего и Среднего Востока, в борьбе религиозных течений Китая и Индии раскрывались новые важные стороны восприятия мира, углублялось его познание. На смену представлению о мире как о чем-то завершенном и гармоничном пришло восприятие действительности в ее драматической сложности, в ее вселенском грандиозном масштабе.

Средневековье создало иное понимание человека и меры его ценности, чем античность.

В христианстве возникло учение о существовании двух миров – высшего божественного, духовного и низшего мира земной реальности, являющегося лишь его отражением; обнажились и противоречия между двумя природами человеческой натуры – духовной и телесной, матери-альной. Образ человека в искусстве утратил разумную ясность и внутреннее равновесие, характерное для античных героев. Но духовный мир человека обогатился, в нем было открыто многообразие чувств и переживаний, порой поражающих драматизмом, жаждой совершен-ствования. Образы, созданные безвестными художниками Средних веков, воздействуют то силой внутренней сосредоточенности и философского самоуглубления, то страстностью духовных порывов, высоким духовным подъемом, то мечтательностью или гармоничной созерцательностью.

Расширяется и сфера явлений, отображаемых в искусстве. Задачей философов и художников стало познание Вселенной в ее необъятных всемирных и космических масштабах, в совокупности множественных явлений жизни. Эта познавательная цель, хотя и была облачена в религиозную форму, возбуждала в человеке потребность реального знания о Вселенной на Земле. Вместе с тем человек в сознании людей перестал быть центром мироздания. В нем видели лишь частичку Вселенной, подчиненную ее неведомым силам. Отдельные явления жизни приобрели поэтому значительность, поскольку рассматривались как проявления величия целого.

Всеобъемлющий взгляд на мир нашел отражение в огромных синтетических ансамблях, в грандиозных храмах с сотнями статуй и множеством росписей. Новая концепция синтеза искусств, порожденная драматической динамикой и одухотворенной страстностью искусства Западной Европы, – крупнейшее завоевание средневековья.

Средневековое искусство по своим формам являлось религиозным, символическим, отвле-ченным. Художники создавали произведения для церкви (христианской, буддийской, мусуль-манской). Светское искусство существовало, но не оно определяло характер художественной культуры этой эпохи. Само мышление людей средневековья было религиозным. Это накладывало отпечаток на все формы жизни общества и ограничивало возможности искусства.

Христианская религия проповедовала, что все земное – лишь слабое отображение небесного, что земное ничтожно по сравнению с загробной жизнью. Искусство не должно было следовать природе – презрение к земному миру во имя повышенной одухотворенности вело к нарушению в искусстве привычного сходства с натурой и обращению к символам, аллегориям для выражения больших идей. На Среднем Востоке мусульманство запрещало в религиозных памятниках изображение человека.

Содержание средневекового искусства не ограничивалось, однако, только областью официальных религиозных идей. В христианстве, буддизме, мусульманстве жили и идеи, и чувства, непосред-ственно связанные с жизнью, с идеалами, нравственными представлениями и стремлениями народа. Народная традиция утверждала, что каждое явление природы – воплощение божества, что весь материальный мир природы одухотворен и поэтому оправдан; а в каждом человеке заключено нечто священное, что делает его в известном смысле равным королю. Языческие верования, сохранившиеся в народе, мифология, фантазия, поэтическое отношение к миру определили силу и яркость образов средневекового искусства, их художественную ценность.

В искусстве получили широкое развитие нравственный идеал материнства, темы страданий, стоического мужества человека, устремленности его к совершенству, красоты природы и мироздания. Чувство любви в средневековом обществе впервые приобрело такую степень интенсивности и продолжительности, которых не знал человек Древнего мира. Рыцарская любовь создает куртуазный рыцарский роман, рыцарскую лирику трубадуров. Средневековье обнаруживает в мире зло и уродство – в искусстве разрабатывается проблема характерного, безобразного, имеющего в отличие от прекрасного бесконечное разнообразие проявлений. Тем самым для искусства открывались новые перспективы. Культура средневековья исключительно богата и разнообразна. Развитие феодальных отношений привело к возникновению многочисленных центров культуры в различных частях мира, находившихся во взаимодействии.

Искусство многих государств Европы и Азии (Древней Руси, Китая, Индии) достигло в это время высокого развития. У некоторых народов, например Китая, именно в эпоху Средних веков оно пережило настоящий расцвет; интерес к разнообразным сторонам жизни породил развитие пейзажа, натюрморта, бытового жанра, портрета. В то время как в византийском искусстве сильны черты аскетизма, отрешенности от всего земного, в искусстве Индии ярко проявляется чувственное восприятие мира, ощущение мощного, стихийного начала природы. Поэтически красочное отображение жизни и ее чувственных радостей отличает восточную миниатюру.

Высшие достижения средневековья воплотились в монументальной архитектуре. Она выражала не только религиозно-фанатические стороны сознания, но и олицетворяла творческую волю человека, могущество труда большого коллектива. Византийские храмы, романская и готическая архитектура Европы, арабские мечети, дворцы и храмы Индии, Китая принадлежат к класси-ческим сокровищам мирового искусства.


Художественная культура Византии

Одним из важнейших центров средневекового искусства была Византия – государство, образовавшееся в 395 г. на основе Восточной Римской империи и просуществовавшее до 1453 г. Византийское искусство – важная ступень в развитии средневековой художественной культуры.
В нем выражено стремление к возвышенной одухотворенности образа человека, подчеркнуты значение этического начала, способность человека к высокому нравственному подъему. Лучшие произведения византийских мастеров и теперь поражают глубиной постижения человеческих чувств и мыслей, нравственной красотой.

Своеобразие византийской культуры и искусства определили особенности развития феодализма в Восточной Римской империи. Варварские нашествия не затронули ее в такой степени, как Западную Европу. В Византии сохранились античные фермы быта и хозяйственного уклада и их пережитки, уже исчезнувшие на Западе – развивались города с их оживленной торговлей и ремеслами. От Римской империи была унаследована и форма централизованного государства. Опираясь на строгую иерархию чиновничества и авторитет церкви, императорская власть противостояла центробежным силам феодализма. Переход к средневековому искусству совершался на основе непрерывной преемственной связи с великой античной культурой. Константинополь, Александрия, Антиохия, Эфес по своему облику оставались эллинистическими городами. В Константинополь было привезено множество античных статуй. В 425 г. здесь был

основан университет, куда стекались знаменитые ученые всех стран. Они собирали древние рукописи, изучали классиков. Византийские переписчики сохранили миру произведения Гомера, Эсхила, Софокла, вплоть до VII в. существовал народный античный театр. Греческий язык оставался разговорным языком.

Античная традиция ярко проявлялась и в искусстве – в сохранении привязанности к идеаль-ному образу человека. В центре внимания византийского художника, как и в античности, стоял человек, воплощенный в образе христианского бога и святых; в его изображении сохранились правильные пропорции фигуры, тонкая пластика форм, точный рисунок. Однако в произведениях византийских художников не могли не отразиться новые представления о мире и человеке.

Важное значение в формировании византийского искусства имели художественная традиция эллинизированных восточных провинций империи, орнаментально-декоративное народное искус-ство Месопотамии, Сирии, Палестины, Египта, Антиохии, возникшее на основе христианской мифологии, которая была в то время в значительной мере связана с жизнью и идеалами народа. Оно вливало в формирующееся византийское искусство живые силы; свежесть и непосредствен-ность чувств вносили и варвары, воздействие художественной культуры которых усиливалось начиная с IV–V вв.

Содержание византийского искусства отражало религиозно-философские воззрения слагавше-гося средневекового общества. Жестокие потрясения, сопровождавшие ломку рабовладельческого строя, рождение сложной общественной и государственной структуры феодализма создавали в умах людей представление о том, что в мире много неведомого и неподвластного человеческому разуму и чувству. Сознание сложности мира, его дисгармонии и несовершенства нашло свое выражение в художественных образах; это определило достижения византийского искусства по сравнению с античностью. Поскольку божество в Византии представлялось не только в виде удаленного от мира творца, воплощающего бесплотную духовность, но и в образе Христа, сохраняющего внешний облик человека, византийское искусство, как и античное, шло по пути антропоморфизма. Однако на смену искусству, наивно обоготворяющему человека, приходит искусство, стремящееся возвысить его чувства, его нравственные и эстетические силы. Это обусловило нарастание духовной отвлеченной экспрессии образа.

Пассивная созерцательность, которая, согласно философии восточного христианства, открывала путь к познанию бога и заключала в себе наивысшую гармонию, выражалась в неподвижной сосредоточенности образов. Наряду с этими чертами в византийском искусстве развивались унаследованные от античности проницательность взгляда на мир и его поэтическое восприятие, ярко проявившиеся в раскрытии тончайших оттенков человеческих чувств.

В Византии, где император совмещал светскую и религиозную власть, искусство, обращавшееся ко всем подданным, играло важную роль в создании этических идеалов, объединявших религиозные, государственные и личные начала. Оно было призвано воспитывать массы в духе покорности, наставлять в вере. Лучшие произведения византийского искусства созданы константинопольской школой, обладавшей высокой преемственной культурой и творческим опытом, впитывавшими философские и богословские идеи, благодаря чему канонические изображения обогащались высоким этическим содержанием. Многообразие направлений исключалось, однако оппозиционные официаль-ному искусству художественные течения в местных восточных школах продолжали существовать и оказывать воздействие на византийское искусство, преодолевая ограничения, поставленные государством. Византийское искусство возникло и развивалось на сложной основе.

Первый подъем византийского искусства приходится на VI в. Оно достигло блестящего расцвета при императоре Юстиниане I (527–565), когда закладывались основы византийской государ-ственности и делались попытки возродить былую мощь империи. Подавление массовых народных восстаний, борьба с пережитками язычества и упорядоченность аппарата управления укрепили военную власть, а победоносные войны с персами, вандалами и готами утвердили мировое могущество Византии, расширили ее границы.

Главным художественным центром стал Константинополь с его смешанным греческим, восточным и варварским населением, с его контрастом богатства и нищеты, шумом богословских споров, массовыми восстаниями. Здесь находился усвоивший многие черты восточной деспотии императорский двор, пребывали патриарх и высшее духовенство, сосредоточились земельная аристократия и высшее чиновничество. В столицу стягивались научные и художественные силы империи, привозились произведения искусства разных народов, здесь вырабатывались новые формы искусства. Огромные богатства, восточная торжественность и зрелищность культовых и придворных церемониалов поражали воображение людей того времени.

Становление раннего феодализма в Византии (конец VII – начало IX вв.) сопровождалось глубокими социальными конфликтами, проявившимися в религиозно-еретических движениях крестьянско-плебейских слоев общества – иконоборчестве и павликианстве,– которые охватили прежде всего византийский Восток. Народ выступил против социального неравенства, церковной иерархии, против монастырей, отрицал возможность изображения божества в человеческом облике. Период иконоборчества длился с 726 до 843 г. Борьбу иконоборцев поддерживали и императоры, заинтересованные в укреплении военно-земледельческой знати, извлекавшей большую выгоду из борьбы против папства и монастырского землевладения. В иконоборчестве возродились светская традиция античного искусства, мотивы эллинистических декоративных росписей, народного искусства Востока, абстрактной символики. С движением иконоборчества связан расцвет книжного орнамента. После разгрома феодальной реакцией народного движения вновь было восстановлено иконопочитание, народное влияние в искусстве оттеснено.

С конца IX по начало XIII в. длился период зрелого средневековья – феодальные отношения господствовали. В эпоху Македонской династии (867–1056) и династии Комнинов (1081–1185) византийская художественная культура пережила новый расцвет. В IX–XII вв. завершилось сложение зрелого средневекового искусства и классического средневекового синтеза. В искусстве усилились спиритуалистические тенденции, оно подчинялось строгим догматическим правилам. В XII–XIV вв., в период правления династии Палеологов, византийское искусство переживает последний расцвет. Осаждаемая со всех сторон врагами, раздираемая внутренними противоречия-ми, Византия собирает последние силы. Патриотический подъем после победы над крестонос-цами и антифеодальное движение способствовали появлению новых тенденций в искусстве. Церковные догмы подвергались рационалистической критике, возродился интерес к точным наукам, к угасающей античной традиции, в которой писатели и художники видели основу национальной культуры.


Становление искусства западноевропейского средневековья. Эпоха Каролингов

Особенности средневекового искусства Западной и Центральной Европы определялись своеобразием процесса формирования феодального общества на территории бывшей Западной Римской империи. Он протекал иным путем, чем на Востоке. Гибель рабовладельческого строя была ускорена нашествием в конце 4 в. варварских племен (вестготов, гуннов и др.), пережи-вавших феодализацию свободной сельской общины. Попытки создания «варварских королевств» в V–X вв. (государство франков, империя Каролингов, Оттоновская империя) не привели к образованию централизованных государств, как в Византии. Западная империя распалась на экономически и политически самостоятельные феоды. Культура и искусство пришли в упадок, но лишь на непродолжительное время.

Утверждение феодальной формации в западноевропейском обществе в начале 2 тыс. вызвало подъем художественной культуры. Перспективность средневековой культуры Западной Европы определялась тем, что варвары «омолодили». Европу. Они сумели сохранить и перенести в феодальное государство осколок родового строя в форме сельских общин. Даже в условиях жесточайшего крепостничества они утвердили более мягкую по сравнению с рабовладельческой форму зависимости, укрепили локальную сплоченность и способность к сопротивлению феодальному гнету, что привело к постепенному освобождению крепостных крестьян как класса. Появление чувства социальной общности сопровождалось в Средние века ростом чувства независимости, сознания права сильного, которые завоевывались личным мужеством и отвагой. Раздробленность феодального общества, самостоятельность рыцарей, их беспримерная отвага пробуждали дух независимости, который в дальнейшем в новых условиях общественной жизни стал основой развития индивидуализма. Разграничение и противоборство светской и духовной власти, рост вольных городов и освободительной борьбы народа создавали условия для развития светской культуры и усиления роли личности, ее самосознания.

В эпоху переселения народов и образования варварских государств (франков, вестготов, остготов, кельтов и др.) в Западной и Центральной Европе совершался сложный процесс взаимо-проникновения культур античной и варварских народов, находившихся в стадии разложения первобытнообщинного строя. В отличие от античной основы византийского искусства в искусстве Западной и Центральной Европы с V в. на первый план выступили наделенные первозданной силой «варварские» элементы: образы фольклорной традиции племен, разрушивших дряхлеющий Рим. Исполненные экспрессии и острой наивной выразительности, орнаментальные мотивы «звериного стиля», птиц, зверей, различных чудовищ, демонов как бы воплощали силы неутомимой жизненной борьбы. Часто эти изображения сплетались в орнаменты сложной композиции и своевольного ритма. В них находили отражение древние языческие представления, страх перед стихией природы и действием тайных сил колдовства и христианские учения о греховности мира, враждебности его человеку.

Плодотворное воздействие на формирование искусства Западной Европы оказало искусство христианского Египта, народов Передней Азии. Однако интерес к античности не иссяк: вместе с унаследованным от поздней античности христианством западноевропейское средневековье восприняло и многие художественные формы, и иконографию, в которой утверждался образ страдающего, но возвеличенного человека – Христа. Непосредственным источником культуры на Западе служила культура позднего Рима – в научной сфере господствовала латынь.

Сохранило авторитет наследие античных философов, поэтов, ораторов. В архитектуре разрабатывался тип римской базилики. Народы Западной и Центральной Европы, однако, более свободно, чем византийцы, претворяли классическое наследие. В античном искусстве их привлекала объемно-пластическая выразительность, в зданиях позже возникшего романского стиля чувствовалась классическая композиция, благородная простота форм.

Средневековое искусство Западной и Центральной Европы в своем десятивековом развитии прошло три этапа: дороманский (сер. V–X вв.), романский (XI–XII вв.) и готический (конец XII–XIV вв.). В некоторых государствах готическое искусство в XV–XVI вв. («пламенеющая готика») сосуществовало с искусством Ренессанса. В дороманский период начинали выкристаллизовы-ваться основные принципы средневекового искусства. В искусстве Каролингского возрождения (VIII–IX вв.) наметилась национальная стилевая общность, возродился интерес к античности, и вместе с тем отмечалось тяготение к одухотворенности образов. В искусстве Оттоновской империи
(X в.) утверждались торжественная застылость форм, замкнутость композиции, плоскостность и жесткая графичность решений, увлечение варварским великолепием – черты, подготовившие романский стиль.


Романское искусство

Термин «романский стиль» применяется к искусству XI–XII вв. Он условен и возник в первой половине XIX в., когда была обнаружена связь средневековой архитектуры с римской. Романский период – время возникновения общеевропейского монументального стиля средневековой архитектуры, скульптуры и живописи в эпоху наивысшего развития феодализма, когда власть светских и духовных феодалов достигла наибольшей силы. В отличие от Византии, где искусство регламентировалось столичной школой, единство романского стиля не исключало обилия и разнообразия локальных местных школ, что свидетельствовало о возможности различных исканий в пределах одного стиля.

Романское искусство Западной Европы было преимущественно религиозным, так же, как и мировоззрение феодального общества. Католическая церковь обладала исключительным идеологи-ческим и экономическим могуществом. В условиях феодальной раздробленности Европы она была единственной силой, объединяющей народы. Монастыри представляли собой крупные хозяйст-венные единицы, являлись средоточием умственной жизни и центрами церковного образования и художественного творчества. Однако церковь была здесь теснее, чем в Византии, связана с политической борьбой, с повседневной жизнью. Вопросы нравственного поведения человека, его мирской деятельности решались церковью. Для западной церкви характерны попытки примирения религиозного и рационального объяснения мира, что также отличало ее от восточной и открывало возможность более свободного толкования догматов, познания реального мира. Так, Иоанн Скот Эриугена проповедовал мысль о свободе воли, о превосходстве разума над авторитетом церкви.

Стремление к повышенной одухотворенности отличает образы романского искусства так же, как и византийского, но их содержание и форма выражения различны. В западноевропейском искусстве с религиозностью совмещалось непосредственное деятельное отношение к жизни. Образ духовно совершенного, отрешенного от остального мира человека не получил здесь развития в такой мере, как в Византии. Средневековый человек в Западной Европе чувствовал в себе переизбыток сил, жил во взаимоотношении с себе подобными, в непрерывном действии. Романская архитектура поражает мощью, скульптура – мятущимся духом. В повышении экспрессии чувств ощущаются традиции варварского искусства, бурный и грозный характер эпохи.

Рождение новой цивилизации, длительный процесс становления феодализма в Западной Европе, сопровождавшиеся разрушением родовых отношений, войнами и крестовыми походами, порождали чувство дисгармоничности жизни, несовместимости красоты и действительности. И в проповедях церкви, и в сознании народа жила идея греховности мира, исполненного соблазнов, подвластного воздействию страшных таинственных сил. На этой основе в романском искусстве Западной Европы возник этический и эстетический идеал, противоположный античному искусству. Превосходство духовного над телесным выражалось в контрасте неистовой духовной экспрессии и внешнего уродства облика, как бы воплощающего косную материю. В библейских и евангельских сказаниях мастера романского искусства сосредоточивали внимание на выражении сильных страстей, особенно на теме страдания и неизбежной трагической гибели человечества или торжества христианства над темными силами мироздания; создавая картины народных бедствий, они иносказательно отражали характерные стороны современной им жизни.

В формировании средневековой художественной культуры огромное значение имело народное творчество. Влияние его сказывалось в монументальных формах архитектуры, в интерпретации библейских и евангельских сюжетов, во влечении к фантастике. Создавалось романское искусство в основном в монастырях. Однако традиция народного творчества проникала и в церковное искусство. Светская культура в романскую эпоху не исчезла. Героический эпос «Песнь о Роланде» (ок. 1100 г.), поэзия трубадуров, рыцарский роман, бытовой жанр, фаблио, фарсы, полные насмешливости поговорки достигли в то время расцвета.


Готическое искусство

Готическое искусство представляет следующую после романского ступень развития средне-векового искусства. Название это условно. Оно было синонимом варварства в представлении историков Возрождения, которые впервые применили этот термин, характеризуя искусство Средних веков в целом, не видя в нем его ценных сторон.

Готика – более зрелый стиль искусства средневековья, чем романский. Он поражает единством и целостностью художественных проявлений во всех видах искусства. Религиозное по форме готическое искусство более чутко, чем романское, к жизни, природе и человеку. Оно включило в свой круг всю сумму средневековых знаний, сложных и противоречивых представлений и переживаний. В мечтательности и взволнованности образов готики, в патетическом взлете духовных порывов, в неутомимых исканиях ее мастеров ощущаются новые веяния – пробуждение разума и чувств, страстные стремления к прекрасному.

Повышенная одухотворенность готического искусства, нарастающий интерес к человеческим чувствам, к остро индивидуальному, к красоте реального мира подготовили расцвет искусства Возрождения. Энгельс сравнивал готическую архитектуру с утренней зарей. Эта образная характеристика может быть отнесена и ко всему готическому искусству.

Готическое искусство – искусство цветущих торговых и ремесленных городов-коммун, добившихся ценою напряженной борьбы известной независимости внутри феодального мира. Оно было вызвано новыми условиями общественной жизни Европы – высоким подъемом произво-дительных сил, разрастающимся пламенем грандиозных крестьянских войн и победой к началу XIII в. коммунальных революций. В некоторых странах королевская власть, опиравшаяся на союз с городами, возвысилась над силами феодальной раздробленности.

Религия оставалась по-прежнему основной формой миросозерцания, и церковь продолжала оказывать свое влияние на искусство. Однако потребности жизни торгово-ремесленных городов рождали стремления к знанию и непрестанным исканиям. С образованием городских и церковных школ влияние монастырей на массы стало ослабевать. В Болонье, Оксфорде, Париже возникли центры науки – университеты. Они стали ареной религиозных диспутов, очагами вольнодумства. В рамках схоластической философии, пытавшейся примирить веру с разумом, возникли еретические учения, вызванные ростом критического мышления, ставились серьезные философские проблемы, уделялось много внимания общим вопросам, связанным с жизнью человеческого общества и познанием самого человека. Философ Пьер Абеляр считал необходимым доказывать религиозные догматы с помощью разума, для него главным было «сопротивление авторитету церкви». В схоластику проникал интерес к опытному познанию, ярко проявившийся в деятельности Роджера Бэкона. В конце XII и XIII вв. распространилось близкое к материализму учение арабских философов Аверроэса и Авиценны. Делались попытки примирить христианские догматы и наблюдения действительности. Реальный мир уже не отрицался полностью, его рассматривали как совершенное творение божества. Трагическая безысходность, которую внушала людям церковь, сменилась более светлым и радостным восприятием красоты мира. Суровые нравы смягчились. Вместе с тем росло самосознание народа. В ходе борьбы, в разгаре жакерии, в накаленной атмосфере городов, боровшихся за коммунальные вольности, проповедовавших реформу церкви, рождалось сознание братства и равенства, лаконично выразившееся в изречении: «Когда Адам пахал, а Ева пряла, кто был тогда дворянином?»

В придворной рыцарской среде XII–XIV вв. возникло светское, глубоко личное отношение к миру. Наряду с эпосом и рыцарским романом расцвела любовная лирика трубадуров – провансальская поэзия, знамение нового времени. В поэзию проникали индивидуальные чувства. Развивалась городская литература, склонная к ярким картинам обыденной жизни. В музыке на смену унисону (одноголосье) пришло многоголосье. В мощных хоровых гимнах городская община непосредственно выражала свои чувства, в мистериях деревенские жители и цеховые ремесленники разыгрывали сцены из священного писания. Возникали комические театральные жанры: на площадях представлялись фарсы, высмеивавшие духовенство, в храмах устраивались «нечестивые мессы», шутовские процессии.

В средневековых городах второй половины XII–XIII вв. зародились новые формы архитек-туры и изобразительного искусства, более сложные и многозначные, в них сочетались мистика и рационализм, спокойная сосредоточенность и страстные порывы, искреннее живое чувство и догматизм, буйство фантазии и тяга к единообразию, упорядоченности, устремленность в мир мечты и острая наблюдательность, празднично-прекрасное и обыденное, уродливое. В искусстве зарождалось стремление выразить духовные силы и способности человека.

Между романским и готическим стилем трудно провести четкую хронологическую границу. XII в. – время расцвета романского стиля; вместе с тем с 1130 г. появляются новые формы, положившие начало готике (ранняя готика). Готический стиль в Западной Европе достиг вершин (высокая готика) в XIII в. Угасание стиля приходится на XIV и XV вв. (пламенеющая готика).

В разных странах готический стиль имеет своеобразные черты. Однако это не отрицает его общности и внутреннего единства. Во Франции – на родине готики – произведения этого стиля характеризуются ясностью пропорций, чувством меры, четкостью, изяществом форм. В Англии они отличаются тяжеловесностью, перегруженностью композиционных линий, сложностью и богатством архитектурного декора. В Германии готика получила более отвлеченный, мистический, но страстный по выражению характер. В Испании готические формы обогатились элементами мусуль-манского искусства, привнесенного арабами. В Италию, где расцвет городов к концу XIII в. создал благоприятную почву для возникновения культуры Проторенессанса, проникли лишь отдельные, преимущественно декоративные элементы готики, не противоречащие принципам романской архитектуры. Но в XIV в. готика распространилась в Италии повсеместно. Пламенеющая готика дос-тигла своего высшего завершения в Миланском соборе (конец XIV–XV вв., достроен в нач. XIX в).


Искусство эпохи Возрождения

Возрождение – новый этап в истории мировой культуры. В это время были заложены основы современной науки, в частности естествознания, высокого уровня достигла литература, получившая с изобретением книгопечатания невиданные ранее возможности распространения. В это же время сложилась реалистическая система в искусстве. Термин «Возрождение» начал применяться еще в XVI в. по отношению к изобразительному искусству. Автор «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550) художник Джордже Вазари писал о возрождении искусства в Италии после долгих лет упадка в период средневековья. Позже понятие «Возрождение» приобрело широкий смысл.

Культура Возрождения (Ринашименто – на итальянском, Ренессанс – на французском языке) возникла в Европе, в тех экономически наиболее развитых областях, где раньше всего созрели предпосылки для перехода от феодализма к начальной стадии капитализма.

С особой последовательностью и силой новая культура проявилась в итальянских городах, которые уже на рубеже XIV–XV вв. вступили на путь капиталистического развития; значительное распространение она получила в нидерландских, а также в некоторых прирейнских и южно-германских городах XV в. Однако круг влияния культуры Возрождения был гораздо шире и охватывал территории Франции, Испании, Англии, Чехии, Польши, где новые тенденции проявились с разной силой и в специфических формах.

В основе культуры Возрождения лежит принцип гуманизма, утверждения достоинства и красоты человека, его разума и воли, его творческих сил. В отличие от культуры средневековья гуманистическая жизнеутверждающая культура Возрождения носила светский характер. Освобождение от церковной схоластики и догматики способствовало подъему науки. Страстная жажда познания реального мира и восхищение им привели к отображению в искусстве самых различных сторон действительности и сообщили величественный пафос и глубокую проникно-венность наиболее значительным творениям художников.

Важное значение в становлении искусства Возрождения имело по-новому понятое античное наследие. Воздействие античности сильнее всего сказалось на формировании культуры Возрождения в Италии, где сохранилось множество памятников древнеримского искусства. Победа светского начала в культуре Возрождения была следствием социального утверждения набирающей силы буржуазии. Однако гуманистическая направленность искусства Возрождения, его оптимизм, героический характер образов объективно выражали интересы не только молодой буржуазии, но и всех прогрессивных слоев общества в целом.

Искусство Возрождения формировалось в условиях, когда устои феодального уклада жизни были расшатаны, а буржуазно-капиталистические отношения со всей их торгашеской моралью и бездушным лицемерием еще не сложились. Еще не успели проявиться пагубные для развития личности последствия капиталистического разделения труда; смелость, ум, находчивость, сила характера еще не утратили своего значения. Это создавало иллюзию бесконечности дальнейшего прогрессивного развития способностей человека. В искусстве утверждался идеал титанической личности. Искусство эпохи Возрождения носило общественный характер. Именно эта черта сближает его с искусством классической Греции. И в то же время в искусстве Возрождения, особенно в поздний период, нашел воплощение образ человека, в котором черты индивидуального своеобразия сочетались с социально-типическими качествами.

Небывалый до того времени расцвет переживала живопись, которая раскрывала огромные возможности в изображении жизненных явлений, человека и окружающей его среды. Развитие наук, разработка линейной, а затем и воздушной перспективы, изучение пропорций и анатомии человека – все это способствовало утверждению в живописи метода, основанного на отображении действительности образами самой действительности.

Новые требования, стоящие перед искусством, обусловили обогащение его видов и жанров.
В монументальной итальянской живописи господствовала фреска. С XV в. все большее место занимает станковая картина, в развитии которой особую роль сыграли нидерландские мастера. Наряду с существовавшими ранее жанрами религиозной и мифологической живописи, наполнив-шимися новым смыслом, выдвинулся портрет, зародилась историческая и пейзажная живопись.

В Германии и Нидерландах, где народные движения вызывали потребность в искусстве, быстро и активно откликающемся на происходящие события, широкое распространение получила гравюра, которая часто использовалась в художественном оформлении книг.

Завершился начатый в Средние века процесс обособления скульптуры: наряду с декоративной пластикой, украшающей здания, появилась самостоятельная круглая скульптура – станковая и монументальная. Декоративный рельеф приобрел характер перспективно построенной многофи-гурной композиции.

Идеалы гуманизма выразились и в архитектуре, в ясном гармоническом облике сооружений, в классическом языке их форм, в их пропорциях и масштабах, соотнесенных с человеком.

Изменился характер прикладного искусства, заимствовавшего формы и мотивы орнаментики в жизни и в античности и связанного не столько с церковными, сколько со светскими заказами. В его общем жизнерадостном характере, благородстве форм и красок сказалось то чувство единства стиля, которое присуще всем видам искусства эпохи Возрождения, составляющим синтез искусства на основе равноправного сотрудничества всех его видов.

Искусство Возрождения прошло этапы раннего (XV в., соответствует времени зарождения капиталистического производства в отдельных городах Италии, Германии, Нидерландах), Высокого (90-е гг. XV в. – первая треть XVI в.) и позднего Возрождения (вторая половина XVI в.).
В разных странах оно проявило себя по-разному. Так, например, в Нидерландах не было этапа Высокого Возрождения. Классической страной Возрождения была Италия, где ясно выделяются периоды так называемого Проторенессанса (предвестия Возрождения), раннего, Высокого и позднего Возрождения, причем в рамках позднего Возрождения наряду с гуманистическим искусством распространение получает упадочное маньеристическое направление, не способ-ствующее познанию действительности.

Во второй половине XVI в. в Западной Европе наступает кризис духовной культуры, обусловленный глубокими общественными потрясениями – так называемой революцией цен, вызвавшей далеко идущие социальные сдвиги, – пауперизацию народных масс, разрушение феодальных сословий, гражданские войны во Франции, политические столкновения, связанные с нидерландской революцией, яростный натиск Контрреформации. В раздробленной Италии, как и в Германии, утверждается мелкодержавный княжеский деспотизм. В Европе объявляется поход против гуманизма во всех его проявлениях. Однако гуманизм был слишком могучим и жизненным явлением, чтобы угаснуть без героической борьбы за свои высокие идеалы. В этих условиях позднего, завершающего этапа Возрождения, возникает «трагический гуманизм», раскрывающий более глубоко противоречия между человеческой личностью и окружающим ее обществом, осознается жестокий разрыв между ренессансными идеалами и враждебными антигуманистическими силами, начинающими побеждать в обществе. Стадию позднего Возрождения проходят, кроме Италии, Нидерланды, Франция и Англия. Эта стадия порождает наиболее богатые и зрелые плоды Ренессанса в искусстве и литературе – в них достигает расцвета преисполненный внутреннего трагизма реализм.

Итальянское искусство эпохи Возрождения носило своеобразный характер и на всех этапах почти трехвекового развития поднималось до исключительных творческих высот. Грандиозный размах культуры Возрождения, огромное количество выдающихся произведений сравнительно с небольшими территориями, где они были созданы, до сих пор вызывают удивление и восхищение. Все виды искусств переживали подъем. В различных областях Италии сложились местные школы живописи, выдвинувшие художников, чьи творческие искания нашли высшие претворения в искусстве титанов Возрождения, – Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Тициана.

Громадную роль приобрело искусство в общественной жизни, оно стало насущной потребностью людей того времени. Возведение общественных зданий рассматривалось как дело гражданской важности, открытие наиболее значительных монументов превращалось во всенародные праздники.

Первый подъем новой культуры в Италии относится к XII–XIII вв. Североитальянские города государства во главе с Венецией захватили посредническую торговлю между Западной Европой и Востоком. Крупными центрами ремесленного производства становятся Флоренция, Сиена, Милан. Политическая власть в них сосредоточилась в руках купцов и ремесленников Объединенные в цехи, они активно противостояли местным феодалам и способствовали отражению натиска иноземных завоевателей (прежде всего германских императоров). В условиях политической самостоятельности в городах зарождались новые формы капиталистического уклада. Эти изменения вызвали коренные сдвиги в мировоззрении и культуре, характеризующиеся интересом к человеку как мыслящей и чувствующей личности, к античности. На раннем этапе переходной эпохи культура во многом носила противоречивый характер, новое часто уживалось со старым, либо облекалось в традиционные формы.

Решительный поворот в сторону преодоления средневековой традиции в итальянском искусстве происходит в XV в. (кватроченто). В это время складываются различные террито-риальные школы, пролагающие пути реалистическому методу. Ведущим центром гуманистической культуры и реалистического искусства остается Флоренция.

Искусство Высокого Возрождения приходится на конец XV в. и первые три десятилетия
XVI в. «Золотой век» итальянского искусства хронологически был очень кратким, и только в Венеции он продлился дольше, вплоть до середины столетия. Но именно в это время были созданы замечательные творения титанов Возрождения.

Высочайший подъем культуры происходил в сложнейший исторический период жизни Италии, в условиях резкого экономического и политического ослабления итальянских государств. Турецкие завоевания на Востоке, открытие Америки и нового морского пути в Индию лишают итальянские города их роли важнейших торговых центров; разобщенность и постоянная междоусобная вражда делают их легкой добычей крепнущих централизованных северо-западных государств. Перемещение внутри страны капиталов из торговли и промышленности в земледелие и постепенное превращение буржуазии в сословие земельных собственников способствовало распространению феодальной реакции. Вторжение французских войск в 1494 г., опустошительные войны первых десятилетий XVI в., разгром Рима чрезвычайно ослабили Италию. Именно в это время, когда над страной нависла угроза ее полного порабощения иноземными завоевателями, раскрываются силы парода, вступающего в борьбу за национальную независимость, за республи-канскую форму правления, растет его национальное самосознание. Об этом свидетельствуют народные движения начала XVI в. во многих итальянских городах, и в частности во Флоренции, где республиканское правление устанавливалось дважды: с 1494 по 1512 г. и с 1527 по 1530 г. Огромный общественный подъем послужил основой расцвета мощной культуры Высокого Возрождения. В сложных условиях первых десятилетий XVI в. сформировались принципы культуры и искусства нового стиля.

Отличительной особенностью культуры Высокого Возрождения было необычайное расширение общественного кругозора ее создателей, масштабность их представлений о мире и космосе. Меняется взгляд на человека и его отношение к миру. Сам тип художника, его мировоз-зрение, положение в обществе решительно отличаются от того, которое занимали мастера XV в., еще во многом связанные с сословием ремесленников. Художники Высокого Возрождения – не только люди огромной культуры, но творческие личности, свободные от рамок цехового устоя, заставляющие считаться со своими замыслами представителей правящих классов.

В центре их искусства, обобщенного по художественному языку, образ идеально прекрасного человека, совершенного физически и духовно, не отвлеченный от действительности, но наполненный жизнью, внутренней силой и значительностью, титанической мощью самоутверждения. Важнейшими очагами нового искусства наряду с Флоренцией в начале XVI в. становятся папский Рим и патрицианская Венеция. С 30-х годов в Средней Италии нарастает феодально-католическая реакция,
а вместе с ней распространяется упадочное направление в искусстве, получившее название манье-ризма. И уже во второй половине XVI в. возникают тенденции антиманьеристического искусства.

В этот поздний период, когда сохраняют свою роль лишь отдельные очаги ренессансной культуры, именно они дают наиболее значительные по художественным достоинствам произведения. Таковы поздние творения Микеланджело, Палладио и великих венецианцев.

Вторая половина XVI в.– сложный переходный период в искусстве Венеции, отмеченный переплетением самых различных тенденций. С усилением экономического кризиса в Венеции, нарастанием феодально-католической реакции во всей Италии в венецианской культуре осуществляется постепенный переход от художественных идеалов Высокого Возрождения к позднему Возрождению. Восприятие мира становится более сложным, сильнее осознается зависимость человека от окружающей среды, развиваются представления об изменчивости жизни, утрачиваются идеалы гармонии и целостности мироздания.

Своеобразным очагом искусства Возрождения XV–XVI вв. были Нидерланды – одна из самых богатых и передовых стран Европы, успешно соперничавшая в торговле и промышленности с городами Италии и постепенно вытеснявшая их с мирового рынка. Однако процесс формирования ренессансной культуры протекал в Нидерландах медленнее, чем в Италии, и сопровождался компромиссами между старым и новым. До конца XIV в. нидерландское искусство развивалось в традиционно религиозных формах, впитывая передовые достижения французской и немецкой готики. Начало самостоятельного развития искусства относится к концу XIV в., когда нидер-ландские провинции были насильственно собраны воедино под властью бургундских герцогов (1363–1477) в независимое «промежуточное» (Энгельс) государство, расположенное между Францией и Германией; оно включало Фландрию, Голландию и многочисленные провинции между Маасом и Шельдой. Разнородные в этническом, экономическом и политическом отноше-ниях, говорившие на различных наречиях романского и германского происхождения, эти провинции и их города не создали единого национального государства до конца XVI в. Вместе с бурным экономическим подъемом, демократическим движением вольных торгово-ремесленных городов и пробуждением в них национального самосознания расцветает культура, во многом сходная с итальянским Возрождением. Главными центрами нового искусства и культуры стали богатые города южных провинций Фландрии и Брабанта (Брюгге, Гент, Брюссель, Турнэ, позже Антверпен). Городская бюргерская культура с ее культом трезвого практицизма развивалась здесь рядом с пышной культурой княжеского двора, выросшей на французско-бургундской почве.

Особенности исторического развития Нидерландов обусловили своеобразную окраску искусства. Феодальные устои и традиции здесь сохранялись до конца XVI в., хотя возникновение капиталистических отношений, нарушивших сословную замкнутость, привело к изменению оценки человеческой личности в соответствии с реальным местом, которое она стала занимать в жизни. Нидерландские города не завоевали той политической самостоятельности, которую имели города-коммуны в Италии. В то же время, благодаря постоянному перемещению промышленности в деревню, капиталистическое развитие захватило в Нидерландах более глубокие пласты общества, заложив основы для дальнейшего общенационального единства и укрепления корпоративного духа, связывавшего между собой определенные социальные группировки. Освободительное движение не ограничивалось городами. Решающей боевой силой в нем было крестьянство. Борьба с феодализмом приобрела поэтому более острые формы. В конце XVI в. она разрослась в могучее движение Реформации и закончилась победой буржуазной революции.

Нидерландское искусство приобрело более демократический характер, чем итальянское.
В нем сильны черты фольклора, фантастики, гротеска, острой сатиры, но главная его особенность – глубокое чувство национального своеобразия жизни, народных форм культуры, быта, нравов, типов, а также отображение социальных контрастов в жизни различных слоев общества. Социальные противоречия жизни общества, царство вражды и насилия в нем, многообразие противоборствующих сил обостряли осознание ее дисгармонии. Отсюда критические тенденции нидерландского Возрождения, проявляющиеся в расцвете экспрессивного и иногда трагического гротеска в искусстве и литературе, часто скрывающиеся под маской шутки «чтоб истину царям с улыбкой говорить» (Эразм Роттердамский. «Похвальное слово глупости»). Другая особенность нидерландской художественной культуры эпохи Возрождения – устойчивость средневековых традиций, определившая во многом характер нидерландского реализма XV–XVI вв. Все новое, открывавшееся людям в течение длительного периода времени, применялось к старой средневековой системе взглядов, что ограничивало возможности самостоятельного развития новых воззрений, но вместе с тем заставляло ассимилировать ценные элементы, содержавшиеся в этой системе.

Интерес к точным наукам, античному наследию и итальянскому Возрождению проявился в Нидерландах уже в XV в. В XVI в. с помощью своих «поговорок» (1500) Эразм Роттердамский «разболтал тайну мистерий» эрудитов и ввел живую, исполненную свободолюбия античную мудрость в обиход широких кругов «непосвященных». Однако в искусстве, обращаясь к дости-жениям античного наследия и итальянцев эпохи Возрождения, нидерландские художники шли по своему пути. Интуиция заменяла научный подход к изображению природы. Разработка основных проблем реалистического искусства – освоение пропорций человеческой фигуры, построение пространства, объема и др. – достигалась путем острого непосредственного наблюдения конкретных единичных явлений. В этом нидерландские мастера шли от национальной готической традиции, которую, с одной стороны, преодолевали, а с другой, переосмысливали и развивали в сторону осознанного, целеустремленного обобщения образа, усложнения индивидуальных характеристик.

Успехи, достигнутые нидерландским искусством в этом направлении, подготовили дости-жения реализма XVII в. В отличие от итальянского нидерландское искусство Возрождения не пришло к утверждению безграничного господства образа совершенного человека-титана. Как и в Средние века, человек представлялся нидерландцам неотъемлемой частью мироздания, вплетенной в его сложное одухотворенное целое. Ренессансная сущность человека определялась лишь тем, что он признавался наибольшей ценностью среди множественных явлений Вселенной. Для нидерландского искусства характерны новое, реалистическое видение мира, утверждение художественной ценности действительности такой, как она есть, выражение органической связи человека и окружающей его среды, постижение тех возможностей, которыми наделяют человека природа и жизнь. В изображении человека художников интересует характерное и особенное, сфера обыденной и духовной жизни; восторженно запечатлевают они многообразие индивидуальностей людей, неисчерпаемое красочное богатство природы, ее материальное разнообразие, тонко чувствуют поэзию повседневного, незаметных, но близких человеку вещей, уютность обжитых интерьеров. Эти особенности восприятия мира проявились в нидерландской живописи и графике XV и XVI вв. в бытовом жанре, портрете, интерьере, пейзаже. В них обнаружились типичная для нидерландцев любовь к деталям, конкретности их изображения, повествовательность, тонкость в передаче настроений и вместе с тем поразительное умение воспроизвести целостную картину мироздания с его пространственной безграничностью.

Новые веяния неравномерно проявлялись в различных видах искусства. Архитектура и скульптура вплоть до XVI в. развивались в рамках готического стиля. Перелом, совершившийся в искусстве первой трети XV в., наиболее полно сказался в живописи. Ее величайшее достижение связано с возникновением в Западной Европе станковой картины, которая пришла на смену настенным росписям романских церквей и готическим витражам. Станковые картины на религиозные темы первоначально были фактически произведениями иконописи. В виде расписных складней с евангельскими и библейскими сюжетами они украшали алтари церквей. Постепенно в алтарные композиции стали включаться светские сюжеты, впоследствии полу-чившие самостоятельное значение. Станковая картина отделилась от иконописи, превратилась в неотъемлемую принадлежность интерьеров зажиточных и аристократических домов.

Для нидерландских художников главное средство художественной выразительности – колорит, который открывает возможности воссоздания зрительных образов в их красочном богатстве с предельной осязаемостью. Нидерландцы чутко подмечали тончайшие различия между предметами, воспроизводя фактуру материалов, оптические эффекты – блеск металла, прозрачность стекла, отражение зеркала, особенности преломления отраженного и рассеянного света, впечатление воздушной атмосферы уходящего вдаль пространства пейзажа. Как и в готических витражах, традиция которых сыграла важную роль в развитии живописного восприятия мира, цвет служил главным средством передачи эмоциональной насыщенности образа. Развитие реализма вызвало в Нидерландах переход от темперы к масляной краске, позволившей более иллюзорно воспроизводить материальность мира.

Усовершенствование известной в Средние века техники масляной живописи, разработка новых составов приписываются Яну ван Эйку. Применение масляной краски и смолистых веществ в станковой живописи, наложение ее прозрачным, тонким слоем на подмалевок и белый или красный меловой грунт акцентировали насыщенность, глубину и чистоту ярких цветов, расши-ряли возможности живописи – позволяли достигать богатства и разнообразия в цвете, тончайших тональных переходов.

Обладающая прочностью живопись Яна ван Эйка и его метод продолжали жить почти без изменений в XV–XVI вв. в практике художников Италии, Франции, Германии и других стран.

К концу XV – первой трети XVI в. искусство Возрождения развивалось и в Германии. Это время величайшего творческого напряжения, пробуждения страстного интереса к индивидуаль-ности человека, поисков новых средств постижения действительности. Богатый опыт итальянского и нидерландского искусства помог немецкой художественной культуре в ее движении вперед. Но немецких художников привлекали иные стороны жизни, чем итальянцев. Как и нидерландцы, они обращались к сокровенной духовной жизни человека, его переживаниям, психологическим конфликтам. Образ человека здесь отмечен то мечтательностью и глубокой задушевностью, то суровостью и мятежными порывами, драматизмом страстей.

Верное жизненной правде, немецкое искусство было менее рационально, оно уступало итальянскому в разработке научных основ, в нем не было тех последовательно рационалис-тических философских воззрений, которые у итальянцев привели к безоговорочной вере в человеческий разум. Стремление к научному познанию мира не умаляло роли воображения.
В немецком искусстве неизменно проступало взволнованно личное отношение его создателей к миру, умение видеть жизнь в ее сложности и изменчивости. Тяготение к гармоничному идеалу и завершенным классическим формам сочеталось с острым чувством индивидуально неповторимого. Не случайно наиболее значительные достижения здесь связаны с портретом.

Искусство немецкого Возрождения во многом близко нидерландскому; в нем то же развитое чувство индивидуального, то же восприятие явлений жизни в тесной взаимосвязи с окружающей средой. Это определяет особое значение пейзажа и интерьера в решении эмоционального строя образов. Пластическое понимание форм сочетается с эмоциональным живописным решением проблем света и тональности, имеющим важное значение для раскрытия взаимосвязи явлений, было важнейшим завоеванием немецкой школы XVI в., предвосхитившим искания тетерев XVII в.

По сравнению с Италией и Нидерландами, где расцвет искусства Возрождения наступил ранее, в немецком искусстве новые тенденции проявились с запозданием. В XV в. искусство Германии было почти исключительно религиозным, в нем продолжали жить средневековые традиции. Внезапность и резкость скачка, происходившего на грани XV–XVI вв., породили контрасты, противоречия, неожиданные сочетания старых и новых тенденций в немецком искусстве Возрождения в целом и в творчестве отдельных мастеров. Немецкое искусство не знало того синтетического развития архитектуры, пластики и живописи, которое сопровождало расцвет итальянского Возрождения, где многие крупные художники работали в различных видах искусства. Оно несет на себе печать дисгармоничности и трагизма, которыми изобиловала общественная жизнь Германии XVI в.

Причина сложности путей развития искусства Германии коренится в особенностях исторического развития страны, ставшей в конце XV–XVI вв. ареной глубочайших социальных конфликтов.
В первой половине XVI в. Германия, входившая в состав могущественной империи Габсбургов, оставалась экономически отсталой и политически раздробленной. Множество городов и деревень Германии в отдалении от передовых центров, втянутых в мировую торговлю, прозябало в жестоких условиях средневековья. Как ни в одной другой стране, борьба буржуазии, крестьянства и плебейских масс с феодализмом приняла здесь характер общего кризиса. В начале XVI в. в Германии произошло первое крупное в национальном масштабе выступление бюргерства. Его борьба с дворянством, с крупными феодальными князьями, выступление бюргерства и широкое народное движение переросли в Реформацию.

Великая Крестьянская война с ее идеалами всеобщего имущественного равенства знаменовала кульминацию революционного движения. Сопутствующий революции подъем творческих сил общества создал условия для всестороннего, но кратковременного расцвета немецкой культуры.
В Германии, ее крупнейших городах распространялись идеи гуманизма, развивалась наука. В отличие от средневековых ересей Реформация настойчиво отстаивала ценность земного, призывала каждого человека следовать своему призванию, совершенствовать себя. Учение Лютера воспи-тывало в личности действенное начало. Мюнцер проповедовал активную деятельность среди народа, отказ от удовлетворения личных страстей. Как ни в одной западноевропейской стране начала XVI в., искусство в Германии было втянуто в водоворот крестьянской освободительной борьбы. В нем утвердились принципы реализма, новые идеалы. Получает развитие политическая графика: листовки, памфлеты, карикатура. Многие немецкие художники становились участниками политической и религиозной борьбы и подвергались преследованиям (скульптор Т. Рименшнейдер, художники М. Грюневальд, Г. Грейфенберг, Г. Платтнер, П. Лаутензак). Изобретение книгопечатания способствовало распространению научной литературы, политических брошюр, боевой сатиры («Письма темных людей»), памфлетов не только в литературе, но и в изобразительном искусстве (ученики Дюрера – Б. и Г. Бехамы, Г. Пенц).

Лютер «создал современную немецкую прозу и сочинил текст и мелодию того проникнутого уверенностью в победе хорала, который стал «Марсельезой» XVI века». К этому времени относится расцвет книжной иллюстрации, карикатуры, станковой гравюры. Новые веяния ярко проявились в области гравюры – наиболее массовом виде искусства, менее скованном традицией (гравюра возникла в нач. XV в.). Однако и другие виды искусства встали на путь преобразования.


Искусство XVII века: барокко, классицизм

XVII в. имел особое значение для формирования национальных культур Нового времени. В эту эпоху завершился процесс локализации больших национальных художественных школ, своеобразие которых определялось как условиями исторического развития, так и художественной традицией, сложившейся в каждой стране, – Италии, Фландрии, Голландии, Испании, Франции. Это позволяет рассматривать XVII в. как новый этап в истории искусства. Национальное своеобразие не исключало, однако, общих черт. Развивая во многом традиции эпохи Возрождения, художники XVII в. значительно расширили круг своих интересов и углубили познавательный диапазон искусства.

По сравнению с эпохой Возрождения искусство XVII в. сложнее, противоречивее в содер-жании и художественных формах. Целостное поэтическое восприятие мира, характерное для Возрождения, разрушается, идеал гармонии и ясности оказывается недосягаемым. Но образ человека остается по-прежнему в центре внимания художника. Титаны, воспетые в произведениях искусства Возрождения, уступили место человеку, сознающему свою зависимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его воплощение становится более конкретным, эмоциональным и психологически сложным. В нем обнаруживается бесконечное разнообразие и богатство внутреннего мира, ярче и определеннее выступают национальные черты, показывается его место в обществе. Реальная жизнь раскрывается художниками XVII в. в многообразии драматических коллизий и конфликтов, гротескно-сатирических и комедийных ситуаций. В литературе это время расцвета трагедии, комедии (Шекспир, Лопе де Вега, Кальдерой, Корнель, Расин, Мольер).

Художественная культура XVII в. отражает сложность эпохи, подготовившей победу капита-листического строя в развитых в экономическом отношении странах Европы. К началу XVII в. утверждаются революционные завоевания в Голландии – первой капиталистической стране Европы. В Англии совершается буржуазная революция 1640–1660 гг. общеевропейского масштаба. Во Франции складывается классический образец абсолютистского государства. Служа интересам феодального дворянства, французский абсолютизм протекционистской политикой обеспечил рост буржуазии. Однако феодализм был еще прочен. Испания, бывшая в XVI в. сильнейшей державой мира, превратилась в одно из отсталых реакционных государств Европы.
В Италии и Германии при сохранении феодальной раздробленности формируется мелкодержавный княжеский деспотизм. Даже в Англии буржуазия делится властью с земельной аристократией.

В борьбе за прогрессивный путь развития европейских государств важную роль играли народные движения. Протест народных масс против абсолютистского гнета и хищничества эпохи первоначального накопления составлял основное содержание общественной жизни XVII в. Развитие культуры в той или иной степени испытывало ее воздействие.

Выступления передовых мыслителей против феодализма были связаны с критикой католической церкви, вновь усиливающей свое влияние и сковывающей общественную мысль.

В то же время общий подъем экономики в передовых странах Европы, расцвет мануфактуры, торговли создали почву для прогресса точных и естественных наук. Великие открытия Галилея, Кеплера, Ньютона, Лейбница, Декарта в математике, астрономии, физике, философии способствовали утверждению материалистических идей (Бэкон, Гоббс, Локк, Спиноза), расширению и углублению представлений о природе и Вселенной. В то время как для ученых эпохи Возрождения установление закономерностей явлений основывалось на опытном наблюдении единичного, индивидуального, мыслители XVII в. исходили в своих научных теориях из целостных систем и взглядов на мир.
В творчестве художников также утверждается более целостное и глубокое восприятие действитель-ности. Получает новое истолкование понятие синтеза искусств. Отдельные виды искусства, как и отдельные произведения, утрачивают обособленность и стремятся к соединению друг с другом. Здания органически включаются в пространство улицы, площади, парка. Скульптура становится динамичной, вторгается в архитектуру и садовое пространство. Декоративная живопись простран-ственно-перспективными эффектами дополняет то, что заложено в архитектурном интерьере.

Стремление к широкому показу действительности привело в XVII в. к многообразию жанровых форм. В изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоевывают светские: бытовой жанр, пейзаж, портрет, натюрморт.

Сложные взаимоотношения и борьба социальных сил порождают и разнообразие художественно-идейных течений. В отличие от предшествующих исторических периодов, когда искусство развивалось в рамках однородных больших стилей (романский стиль, готика, Возрождение), XVII в. характеризуют два больших стиля – барокко и классицизм, элементы которых ярко выражены в архитектуре и в новом понимании синтеза искусств. Искусство барокко раскрывает сущность жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил.

В крайних проявлениях искусство барокко приходит к иррационализму, к мистике, воздействует на воображение и чувство зрителя драматическим напряжением, экспрессией форм. События трактуются в грандиозном плане, художники предпочитают изображать сцены мучений, экстазов или панегирики подвигам, триумфам.

В основе искусства классицизма лежит рациональное начало. Прекрасным с точки зрения классицизма является лишь то, что упорядочено, разумно, гармонично. Герои классицизма подчиняют свои чувства контролю разума, они сдержанны и величавы. Теория классицизма обосновывает разделение на высокие и низкие жанры. В искусстве классицизма единство достигается путем соединения и соответствия всех частей целого, сохраняющих, однако, самостоятельное значение. И для барокко, и для классицизма характерно стремление к обобщению, но мастера барокко тяготеют к динамичным массам, к сложным, обширным ансамблям.

Часто черты этих двух больших стилей переплетаются в искусстве одной страны и даже в творчестве одного и того же художника, порождая в нем противоречия.

Наряду с барокко и классицизмом в изобразительном искусстве возникает более непосред-ственное мощное реалистическое отражение жизни, свободное от стилевых элементов. Внестилевое направление является важной вехой в эволюции западноевропейского искусства. Его проявления необычайно разнообразны и ярки, как в различных национальных школах, так и у отдельных мастеров. XVII в. принадлежат величайшие мастера реализма – Караваджо, Веласкес, Рембрандт, Хальс, Вермер Дельфтский.

В XVII в. на первое место выступают те национальные школы, в искусстве которых были достигнуты высшие творческие результаты. Италия, Испания, Фландрия, Голландия, Франция быстро становятся влиятельными художественными центрами. В других европейских странах – Англии, Германии, Австрии, Чехии, Польше, Дании – художественная культура сохраняет отпечаток локальных свойств и взаимосвязи с традицией предшествующих эпох.


Западноевропейское искусство XVIII–XIX веков

XVIII в. в Западной Европе – последний этап длительного перехода от феодализма к капитализму. В середине века завершился процесс первоначального накопления капитала, велась борьба во всех сферах общественного сознания, созревала революционная ситуация. Позднее она привела к господству классических форм развитого капитализма. На протяжении века совершалась гигантская ломка всех общественных и государственных устоев, понятий и критериев оценки старого общества. Возникла цивилизованная общественность, появилась периодическая печать, образовались политические партии, шла борьба за освобождение человека от оков феодально-религиозного миросозерцания.

В изобразительном искусстве возрастало значение непосредственно отображения жизни. Расширилась сфера искусства, оно становилось активным выразителем освободительных идей, наполнялось злободневностью, боевым духом, обличало пороки и нелепости не только феодального, но и нарождающегося буржуазного общества. Оно выдвинуло и новый положительный идеал ничем не скованной личности человека, свободного от иерархических представлений, развивающего индивидуальные способности и вместе с тем наделенного благородным чувством граждан-ственности. Искусство становилось общенациональным, обращалось не только к кругу утонченных ценителей, но к широкой демократической среде.

Основные тенденции социального и идейного развития Западной Европы XVIII в. в различных странах проявляли себя неравномерно. Если в Англии промышленный переворот, совершившийся в середине XVIII в., закрепил компромисс буржуазии и дворянства, то во Франции антифеодальное движение имело более массовый характер и готовило буржуазную революцию. Общим для всех стран был кризис феодализма, его идеологии, формирование широкого общественного движения – Просвещения, с его культом первичной нетронутой Природы и Разума, ее оберегающего, с его критикой современной испорченной цивилизации и мечтой о гармонии благостной природы и новой демократической цивилизации, тяготеющей к естественному состоянию.

XVIII в. – век Разума, всеразрушающего скепсиса и иронии, век философов, социологов, экономистов; развивались связанные с техникой точные естественные науки, география, археология, история, материалистическая философия. Вторгаясь в умственный обиход эпохи, научные знания создали и для искусства фундамент точного наблюдения и анализа действи-тельности. Просветители провозгласили целью искусства подражание природе, но природе упорядоченной, усовершенствованной (Дидро, А. Поп), очищенной разумом от пагубного воздействия рукотворной цивилизации, созданной абсолютистским режимом, общественным неравенством, праздностью и роскошью. Рационализм философско-эстетической мысли XVIII в., однако, не подавлял свежести и искренности чувства, но порождал устремленность к соразмер-ности, изяществу, гармонической завершенности художественных явлений искусства, начиная с архитектурных ансамблей и кончая прикладным искусством. Просветители придавали огромное значение в жизни и искусстве чувству – средоточию благороднейших устремлений человечества, чувству, жаждущему целеустремленного действия, заключающего в себе силу, революционизи-рующую жизнь, чувству, способному возродить исконные добродетели «естественного человека» (Дефо, Руссо, Мерсье), следующего естественным законам природы.

Афоризм Руссо «Человек велик только своими чувствами» выражал одну из примечательных сторон общественной жизни XVIII в., породившей углубленный утонченный психологический анализ в реалистическом портрете и жанре. Поэзией чувств проникнуты лирический пейзаж (Гейнсборо, Ватто, Ж. Берне, Робер), «лирический роман», «поэмы в прозе» (Руссо, Прево, Мариво, Фильдинг, Стерн, Ричардсон), она достигает высшего выражения в подъеме музыки (Гендель, Бах, Глюк, Гайдн, Моцарт, оперные композиторы Италии). Героями художественных произведений живописи, графики, литературы и театра XVIII в. стали, с одной стороны, «малые люди» – люди, как все, поставленные в обычные условия эпохи, не избалованные достатком и привилегиями, подверженные обыкновенным естественным движениям души, довольствующиеся скромным счастьем. Художников и писателей в них восхищали искренность, наивная непосред-ственность души, близкая природе. С другой стороны, в центре внимания – идеал эмансипиро-ванного цивилизованного интеллектуального человека, порожденного просветительской культурой, анализ его индивидуальной психологии, разноречивых душевных состояний и чувств с их тонкими оттенками, нечаянными порывами и рефлектирующими настроениями.

Острая наблюдательность, утонченная культура мысли и чувства характерны для всех художественных жанров XVIII в. Художники стремились запечатлеть разнообразные в оттенках обыденные жизненные ситуации, самобытные индивидуальные образы, тяготели к занимательным повествованиям и феерической зрелищности, острым конфликтным действиям, драматическим интригам и комедийно построенным фабулам, утонченному гротеску, буффонаде, грациозным пасторалям, галантным празднествам.

Новые проблемы были выдвинуты и в архитектуре. Уменьшилось значение церковного строительства, и возросла роль гражданской архитектуры, изысканно простой, обновленной, освобожденной от излишней импозантности. В некоторых странах (Франция, Россия, отчасти Германия) решались проблемы планировки городов будущего. Рождались архитектурные утопии (графические архитектурные пейзажи – Д.Б. Пиранези и так называемая «бумажная архитектура»). Становились характерными тип частного, обычно интимного жилого дома и городские ансамбли общественных зданий. Вместе с тем в искусстве XVIII в. по сравнению с предшествующими эпохами снизились синтетическое восприятие и полнота охвата жизни. Нарушилась былая связь монументальной живописи и скульптуры с архитектурой, в них усилились черты станковизма и декоративности. Предметом особого культа стало искусство быта, декоративных форм. Вместе с тем возросло взаимодействие и взаимообогащение различных видов искусства. Достижения, обретенные одним видом искусства, свободнее использовались другими. Так, было весьма плодотворным влияние театра на живопись и музыку.

Искусство XVIII в. прошло два этапа. Первый продолжался до 1740–1760 гг. Он характе-ризуется видоизменением поздних форм барокко в декоративный стиль рококо. Своеобразие искусства первой половины XVIII в. – в сочетании остроумного и насмешливого скептицизма и изысканности. Это искусство, с одной стороны, утонченное, анализирующее нюансы чувств и настроений, устремленное к изящной интимности, сдержанному лиризму, с другой стороны, тяготеющее к «философии наслаждения», к сказочным образам Востока – арабов, китайцев, персов. Одновременно с рококо развивались тенденции реалистического характера – у некоторых мастеров они приобрели острообличительный характер (Хогарт, Свифт). Открыто проявлялась борьба художественных направлений внутри национальных школ. Второй этап связан с углубле-нием идеологических противоречий, ростом самосознания, политической активности буржуазии и народных масс. На рубеже 1760–1770-х гг. Королевская Академия во Франции выступила против искусства рококо и пыталась возродить парадный, идеализирующий стиль академического искусства конца XVII в. Галантный и мифологический жанры уступили место историческому с сюжетами, заимствованными из римской истории. Они были призваны подчеркивать величие утратившей авторитет монархии в соответствии с реакционным истолкованием идей «просвещен-ного абсолютизма».

Представители передовой мысли обратились к наследию античности. Во Франции граф де Кейлюс открыл научную эру исследований в этой области («Собрание древностей», 7 томов, 1752–1767). В середине XVIII в. немецкий археолог и историк искусств Винкельман («История искусства древности», 1764) призывал художников вернуться к «благородной простоте и к спокой-ному величию древнего искусства, несущего в себе отражение свободы греков и римлян эпохи республики». Французский философ Дидро нашел в античной истории сюжеты, обличающие тиранов, призывающие к восстанию против них. Возник классицизм, противопоставивший декоративности рококо естественную простоту, субъективному произволу страстей – познание закономерностей реального мира, чувство меры, благородство мысли и поступков. Художники впервые изучали древнегреческое искусство на вновь открытых памятниках. Провозглашение идеального, гармоничного общества, примат долга над чувством, пафос разума – общие черты классицизма XVII и XVIII вв. Однако классицизм XVII в., возникший на почве национального объединения, развивался в условиях расцвета дворянского общества. Для классицизма XVIII в. характерна антифеодальная направленность. Он был призван объединить прогрессивные силы нации для борьбы с абсолютизмом. За пределами Франции классицизм не имел революционного характера, которым он отличался в первые годы Французской революции.

Одновременно с классицизмом, испытывая его воздействие, продолжало жить внестилевое направление. В нем наметились рационалистические тенденции: художники стремились обобщать жизненные явления.

Во второй половине XVIII в. зародился сентиментализм с его культом чувства и страсти, преклонением перед всем простым, наивным, искренним, возникло и связанное с ним предромантическое направление в искусстве, пробудился интерес к средневековью и народным формам искусства. Представители этих течений утверждали ценность благородных и активных чувств человека, раскрывали драматизм его конфликтов с окружающей средой, побуждавших к вмешательству в реальные общественные дела во имя торжества справедливости. Они прокладывали путь «к познанию человеческого сердца и магическому искусству представлять глазам зарождение, развитие и крушение великой страсти» (Лессинг) и выражали назревавшую потребность в искусстве взволнованном, патетическом.

На протяжении XIX в. капитализм становится господствующей формацией не только в Европе, но и на других континентах. Выражая передовые идеи времени, реалистическое искусство XIX в. утверждало эстетические ценности действительности, воспевало красоту реальной природы и человека труда. От внестилевого искусства предшествующих веков реализм XIX в. отличался тем, что непосредственно отражал основные противоречия эпохи, социальные условия жизни народа. Критические позиции определили основу метода реалистического искусства XIX в.

Неравномерно развивались различные области культуры XIX в. Высочайших вершин дости-гает мировая литература (Гюго, Бальзак, Стендаль), музыка (Бетховен, Шопен, Вагнер). Что касается архитектуры и прикладного искусства, то после подъема, определившего так называемый стиль ампир, оба эти вида искусства переживают кризис. Происходит распад монументальных форм, стилевого единства как целостной художественной системы, охватывающей все виды искусства. Наиболее полное развитие получают станковые формы живописи, графика и отчасти скульптура, тяготеющая в лучших проявлениях к монументальным формам.

При национальном своеобразии в искусстве любой капиталистической страны усиливаются общие черты: критическая оценка явлений жизни, историзм мышления, то есть более глубокое объективное понимание движущих сил общественного развития как прошлых исторических этапов, так и современности. Одно из главных завоеваний искусства XIX в. – разработка исторической тематики, в которой впервые раскрывается роль не только отдельных героев, но и народных масс, конкретнее воссоздается историческая среда. Широкое распространение получают все виды портрета, бытовой жанр, пейзаж с ярко выраженным национальным характером. Расцвет переживает сатирическая графика.

С победой капитализма главной заинтересованной силой в ограничении и подавлении реалистических и демократических тенденций искусства становится крупная буржуазия. Творения передовых деятелей европейской культуры Констебла, Гойи, Жерико, Делакруа, Домье, Курбе,
Э. Мане часто подвергались гонениям. Выставки заполнялись вылощенными работами так называ-емых салонных художников, то есть занимавших господствовавшее место в художественных салонах. В угоду вкусам и запросам буржуазных заказчиков они культивировали поверхностное описательство, эротические и развлекательные мотивы, дух апологетики буржуазных устоев и милитаризма.

Еще в 1860-х гг. ведущие мыслители современности отмечали, что «капиталистическое производство враждебно известным отраслям духовного производства, например искусству и поэзии». Искусство интересует буржуазию главным образом либо как выгодное вложение средств (коллекционирование), либо как предмет роскоши. Конечно же, встречались коллекционеры с истинным пониманием искусства и его назначения, но это были единицы, исключения из правил. В целом же, выступая законодателем вкусов и основным потребителем искусства, буржуазия нередко навязывала художникам свое ограниченное понимание искусства. Развитие массового широкого производства с его обезличенностью, расчетом на рынок влекло за собой подавление творческого начала. Разделение труда в капиталистическом производстве культивирует односто-роннее развитие личности, лишает сам руд творческой цельности.

Демократическая линия искусства XIX в. на первом этапе – от Великой Французской революции 1789–1794 гг. до 1815 г. (времени национально-освободительной борьбы народов против наполеоновской агрессии) – формируется в борьбе с пережитками дворянской художес-твенной культуры, а также с проявлениями ограниченности буржуазной идеологии. Высшие достижения искусства в это время были связаны с революционным пафосом народных масс, веривших в победу идеалов свободы, равенства и братства. Это период расцвета революционного классицизма и зарождения романтического и реалистического искусства.

Второй этап, от 1815 до 1849 г., приходится на время утверждения капиталистического строя в большинстве стран Европы. В передовом демократическом искусстве этого этапа – это период наивысшего расцвета революционного романтизма и сложения искусства реалистического направления.

С обострением классовых противоречий между буржуазией и пролетариатом, достигающих апогея во время Парижской коммуны (1871), еще сильнее обозначается антагонизм между ценностями буржуазными и демократической культурой. В конце XIX в. критика современного общества как в литературе, так и в произведениях изобразительного искусства ведется наряду с попытками уйти от вопиющего несовершенства мира в сферу «искусства для искусства».


Основные проблемы развития художественной культуры XX века

Конец XIX в. и начало XX в. ознаменованы тем, что могущественные капиталистические монополии завоевывали господство. Все противоречия обострились до предела. Однако XX в. – это вместе с тем и век победоносных пролетарских революций, распада колониальной системы, обра-зования первого социалистического государства, а затем и системы социалистических стран.

С момента рождения Советского государства, а впоследствии образования и других социалис-тических государств общий кризис выражался также тем, что буржуазные страны идут на бесконечные военные авантюры, подавляют демократические свободы, прибегают к фашистским методам правления, культивируют расизм, крайний индивидуализм.

В эту эпоху искусство, как и другие формы общественного сознания, переживает сложный период развития. В искусстве все больше проявляются стремление художника дать свое собственное представление о мире, попытки осмыслить новый драматический этап истории через воплощение образов иными, нетрадиционными формальными средствами. Параллельно определенные направления развития художественной культуры развиваются по пути пустой развлекательности, натуралистической зрелищности и внешнего декоративизма или сусальной пропаганды потребительского образа жизни. Нередко искусство вербуется и для прямого выражения диких, реакционных, человеконена-вистнических идей. Познавательное значение такого искусства резко снижается.

Художники многочисленных модернистских течений в определенной степени способствуют отвлечению зрителей от жгучих общественных проблем современности. Их искусство позволяет простому обывателю уйти от жизни, ее противоречий, невольно превращая творца в личность, зависимую от непредсказуемой воли социального заказа. В целом искусство ХХ века формируется в сложных условиях, что позволяло многим мыслителям современности говорить о «закате Европы» и «смерти культуры».

Развитие мирового искусства в XX в. разделяется на три этапа, их смена будет прослежена в борьбе художественных течений, в деятельности отдельных художников. Социальные потрясения в буржуазных странах, революции в Мексике, в Германии, в Венгрии в 1920-х гг., Испании
в 1930-х гг., антифеодальное и национально-освободительное движение в колониях стали реальной почвой для развития идей демократического искусства, для возникновения новых очагов передовой художественной культуры. Творчество европейских художников в 1920-х гг. демонстрирует и драматизм современности, и ее серьезные противоречия, и высокий творческий потенциал отдельных мастеров и направлений искусства.

Пройдя период сложных исканий и сомнений, преодолевая определенную ограниченность, крупнейшие деятели культуры Европы продолжали утверждать оптимистическую веру в жизнь, гуманизм (А. Барбюс, А. Франс, Р. Роллан, Ф. Мазерель). Искусство развивалось на этом этапе не только в борьбе с анархически-индивидуалистическими течениями, но и с искусством, возникшим при фашистских диктатурах.

Для художественной культуры рубежа XIX–XX вв. характерны, с одной стороны, не только глубокий кризис тех форм демократического искусства, которые сложились в капиталистическом обществе в течение XIX в., но и глубокий кризис принципов гуманизма в целом. Борьба и переплетение различных путей развития мирового искусства и определяет в основном ход истории художественной культуры XX в.

Данный раздел учебника посвящен характеристике судеб искусства в европейских странах, где прогрессивные тенденции в искусстве борются за утверждение своих идеалов в трудных условиях господства массовой культуры. До 1917 г. империализм был временем абсолютного господства капитализма, временем вызревания Первой мировой войны и кануна великих социальных революций. На этом первом этапе истории XX в. борьба идеологий и культур протекает в рамках только капиталистического общества. Для искусства характерны начавшийся кризис традиций XIX в., появление первых признаков зарождения нового этапа в развитии художественной культуры.

Второй период охватывает собой время с 1917 по 1945–1948 гг. На развитие культуры в капиталистических странах не мог не оказать влияние тот факт, что в Советском Союзе складывается новая культура, новое искусство. С одной стороны, боязнь революции усугубляет реакционный характер буржуазной культуры, с другой стороны, рост социального движения в развитых капиталистических странах, национально-освободительного движения в колониях, а также пример строительства альтернативной социальной системы в Советском Союзе способствуют развитию демократической культуры капиталистических стран.

Наряду с мастерами, начавшими творить еще на рубеже XIX–XX вв., – Ромен Роллан, Бернард Шоу в литературе; в изобразительном искусстве – Мазерель, Кете Кольвиц, выдвигаются и новые имена – Теодор Драйзер, Мартин Андерсен-Нексе, Анри Барбюс. В кино традиции гуманизма развивает замечательный американский художник Чарли Чаплин. В эти же годы в Мексике складывается связанное с антифеодальным революционным движением народных масс монументальное искусство Риверы, Ороско, Сикейроса. В Соединенных Штатах возникает рево-люционная антиимпериалистическая графика.

В эти же годы реакционная империалистическая буржуазия в ряде стран в целях подавления растущего рабочего движения и подготовки империалистической агрессии устанавливает фашистскую диктатуру. Этот этап завершается попыткой фашизма завоевать мировое господство, подавить демократические силы, разгромить организованное рабочее движение в странах капитализма и сокрушить первую социалистическую державу мира.

Третий этап в истории культуры XX в. наступает после разгрома фашизма. Он связан с победой во Второй мировой войне Советского социалистического государства, с огромным подъемом мирового демократического движения, с образованием мирового социалистического лагеря, объединяющего свыше трети населения всего Земного шара. Это было время создания и укрепления мировой социалистической системы, время бурного развития рабочего движения в странах капитализма, роста влияния компартий, объединяющих в ряде стран все передовые силы общества. Это также стало временем краха колониальной системы империализма.

В эпоху XX века в буржуазной культуре происходит переориентация внимания на те стороны художественного опыта человечества, которые связаны или с субъективно-мистическими тенден-циями, или с фантастически условными направлениями в искусстве прошлого.

В 90-х гг. XX в. складываются направления символизма и модерна (термин «модерн», в отличие от «модернизма», был вызван к жизни определенным художественным течением, существовавшим в конце XIX – начале XX вв.), часто теперь переплетающиеся друг с другом. Для них было характерно стремление воплотить в искусстве мистические темы и идеи, получившие широкое распространение в условиях начинавшегося кризиса буржуазной культуры. Теоретики символизма выдавали свое направление за искусство, преодолевающее натуралистическую бескрылость и плоский анекдотизм буржуазного салонного искусства. Наиболее честные и талантливые художники, близкие к символизму, действительно были движимы желанием преодолеть плоский прозаизм современной буржуазной культуры.

Модерн в изобразительном искусстве тесно смыкается с символизмом. В архитектуре и прикладном искусстве для него характерны попытки преодолеть эклектичность архитектурных форм XIX в. Все же сведение этой задачи к чисто внешним стилизаторским декоративным упражнениям без глубокого переосмысления всей системы архитектурного образа, без осознания новых эстетических возможностей, которые несла зарождающаяся новая инженерно-строительная техника, определило малую плодотворность эстетических экспериментов модерна по созданию «нового стиля» в архитектуре и монументально-прикладном искусстве.

Модерн и символизм проявили себя во всех странах Европы. Наиболее последовательно символизм развился в изобразительном искусстве Германии и Австро-Венгрии (творчество Штука, Клингера и других) и отчасти в Англии, где черты символизма были заметны уже в искусстве прерафаэлитов еще во второй половине XIX в.

Иное направление развития изобразительного искусства начала XX в. представлено рядом течений, отличающихся последовательной деформацией образа, а затем прямым отказом от всякой изобразительности. Все они были основаны на замене принципа отображения жизни принципом «выражения» или «самовыражения» внутреннего мира художника, произвольного «конструирования» схематических композиций, передающих в игре форм внутреннюю логику произведения. Представители ряда этих течений считали, что задача художника сводится к сводному формотворчеству, к так называемому «творению новой реальности».

Первым таким течением стал кубизм, возникший в 1907–1909 гг. Основой метода кубизма было построение образа на основе компоновки геометризированной схематизации форм материального мира. Кубисты утверждали, что они раскрывают геометрические закономерности, присущие материальному миру. Другой формой нового искусства был футуризм, в котором искажение и деформация образов реального мира носили характер субъективистической произвольности. Следующим этапом после кубизма и футуризма явились такие открыто иррациональные и субъективно-произвольные формы искусства, как возникшие в 1915–1916 гг. дадаизм и абстракционизм. Последнее направление полностью отказалось от каких бы то ни было элементов изобразительности, заявляя, что задачей искусства является «свободное самовыражение внутреннего мира художника» при посредстве выразительного сопоставления цветовых пятен, линий, лишенных какой бы то ни было связи с изображением реального мира.

В 20-е гг. параллельно с абстракционизмом сложился так называемый сюрреализм. Сюрреализм, продолжавший линию дадаизма, стремился путем фантастически произвольного сочетания фрагментов реальных изображений с абстрактными формами передать причудливую произвольность смутного «подсознательного мира человека», атмосферу нелепости и гротескности кошмарного сна. Однако условия для художественного прогресса в эпоху XX в. были неодинаковы для различных видов искусства. Некоторые роды искусства, например архитектура и прикладные искусства, в целом получают в период империализма относительно более благоприятные, чем в XIX в., возможности развития, поскольку архитектура есть вид искусства, тесно связанный с материальной производственной деятельностью общества, с характером общественного уклада жизни.

Новые возможности строительной техники, порожденные общим техническим прогрессом, потребность в массовом строительстве, необходимость считаться с требованиями широких социальных слоев общества, ведущего активную борьбу за улучшение условий своего существо-вания, вмешательство государства в планирование архитектурного строительства, хотя и ограниченное частной собственностью на землю, создали условия для возрождения интереса к ансамблевым решениям и способствовали распространению новых форм архитектуры. Более того, осознание зодчими эстетической выразительности новых строительных возможностей привело после длительного перерыва к зарождению новой, органически целостной архитектурной системы, пришедшей на смену эклектической архитектуре XIX в.

Для изобразительного искусства в XX в. также характерны две тенденции эволюции. С одной стороны – сложный и трудный процесс поисков новых форм отображения действительности, с другой стороны – отход не только от принципов изобразительности XIX в., но и от всей той худо-жественной системы, которая была присуща европейской живописи начиная с эпохи Возрождения

Вместе с тем процесс «атомизации» – своеобразного распада былой художественно-стилистической цельности и органичности форм развития искусства прошлых эпох – с 1917
по 1929 гг. дополняется прямо противоположными тенденциями к созданию «программных» произведений. Однако достижение такого органического единства искусства, создание «единого стиля эпохи», включающего в себя все виды художественной культуры, в лучшем случае представляется утопичным. На деле чаще всего утверждение «единого стиля» косвенно или прямо связано со стремлением подавить, уничтожить многообразие форм демократической культуры.

В поисках такого стиля одни художники обращались к экспериментам, носящим чисто станковый характер. Их эксперименты, по существу, сводились к субъективно-произвольной игре отвлеченными формами, претендующей на создание произведений, по замыслу автора являю-щихся самовыражением духа времени, пресловутого единого психологического склада эпохи. Другие стремились к воссозданию формально трактованного декоративно-монументального художественного языка, приспособленного к современным архитектурным ансамблям. Однако в подавляющем большинстве случаев эти искания носили в основном утопически-эксперимен-тальный характер, поскольку до середины 20-х гг. прошлого века еще не была создана современная архитектурная система.

Лишь с появлением законченных и обладающих при всем своем многообразии определенной эстетической цельностью современных архитектурных сооружений и целых больших ансамблей смогли возникнуть реальные предпосылки для воскрешения больших монументальных форм искусства. В рамках этой практики начинают осуществляться образцы нового понимания синтеза искусства. Интересно, что наиболее последовательные формы связи изобразительных и архитек-турных форм были достигнуты именно в сфере абстрактного искусства, то есть в той области, где изобразительное искусство, по существу, отказывалось от своих специфических задач и сводило себя к искусству декоративно-прикладному, орнаментальному. Этой дорогой ценой и были достигнуты, уже преимущественно после 1945 г., отдельные отвлеченно-формальные, достаточно стилистически устойчивые решения.

Растворение изобразительного монументального искусства в архитектурном декоре объяснялось отнюдь не специфическими особенностями современной архитектурной системы, где четкое построение геометризованных плоскостей, из которых слагаются архитектурные объемы, в известной мере делает возможным более плоскостно-декоративное решение живописно-монумен-тального образа. Суть дела состояла в том, что эта особенность современной архитектуры была подхвачена, положена в основу монументального синтеза теми направлениями изобразительного искусства, которые уже в начале XX в., то есть еще до сложения современной архитектуры, по чисто идейно-эстетическим причинам обратились к плоскостности, условности изображения, к его схематической декоративности.

Произведения этого рода воплощали не стиль современности вообще, а представляли собой характерный именно для господствующей в первой половине XX века культуры «стиль» искус-ства, основанный на отказе от принципа ансамблевости, характерного для великих художествен-ных эпох прошлого. Монументальная живопись и скульптура исчезают как особый вид искусства, посвященный воплощению образа человека; неизобразительные, по существу, декоративно-прикладные формы живописи и скульптуры становятся характерными для такого рода синтеза.

В этом отношении в эволюции формалистических течений, в частности в направлениях абстракционистского типа, достаточно ясно выступают два этапа. Творчество ранних супрематистов и абстракционистов (Кандинский, Малевич, Татлин), а также искусство итальянских футуристов и несколько позже – дадаистов имело станковый характер. Оно отличалось своим субъективизмом и экспрессионистичностью, откровенной свободой своего формального языка или чисто экспери-ментальной игрой в геометрические формы. В абстракционизме следующего поколения лишь некоторые направления продолжали экспрессионистическую и нигилистическую линию своих предшественников (например, ташизм, то есть искусство пятен и клякс).

Другое же направление шло от подвизавшихся еще в 20-х гг. французских пуристов и голландца Мондриана и достигло наибольшего влияния после 1945 г. Оно отличалось то холодно-рассудочным, то декоративным, украшательским характером. Это направление было уже явно ориентировано на связь с архитектурой, с прикладным искусством. Вместе с тем его художники решительно стремились отойти от тех черт смутно-инстинктивного анархизма и нигилизма, лихорадочно-смятенной нервозности, которые отличали искусство большинства представителей «первого призыва» беспредметничества.

Абстракционисты этого направления явно стремились «к эстетическому» утверждению сложившегося социального уклада жизни, к его «оформлению» и уходу искусства от хотя бы косвенной связи с основными противоречиями жизни, с социальной борьбой эпохи. Следует отметить, что и позднейшие эпигоны Кандинского, дадаистов также вытравили все те смутные оттенки беспокойства и надрыва, которые если и не всегда угадывались в их искусстве, то хотя бы проявлялись в их декларациях, и обратились к, по существу, развлекательному озорству, щекочущему нервы впадающему в эстетическую спячку буржуа (замена картины прорванной в двух-трех местах мешковиной, выставление в качестве скульптуры раздавленного прессом старого автомобильного кузова и т.д.).

Искусство авангардистов представляло лишь самовыражение неразрешимых в рамках буржуазной идеологии, в рамках буржуазной культуры трагических конфликтов и противоречий эпохи. Более того, это столь внешне бунтарски-активное искусство на деле носило пассивный характер и оказалось беспомощным перед социальной реальностью. По существу, это было искусство, конечно, неразрывно и органически связанное с социальной эпохой, но именно с эпохой, принимаемой за безусловную данность, за некое роковое и неизбежное состояние, к которому пришло человечество.

Не нужно, однако, упрощать процесс перехода самих художников на формалистические позиции. Ряд художников, как, например, Пабло Пикассо, Матисс и Леже, после 1917 г. от смутных антифилистерских настроений перешли к сознательному социальному протесту (для Пикассо, например, этот переход завершился в годы появления фашизма и в годы фашистской интервенции в Испании в 1937–1938 гг.). Это, безусловно, не могло не сказаться, хотя бы отчасти, на характере их искусства. Таким образом, пути развития художественной культуры XX века были весьма разнообразны и сложны.

Пока Европа приходила в себя после Второй мировой войны, мир стал свидетелем экономического триумфа Соединенных Штатов. Часто американское общество того времени, где все продается и покупается, называют «обществом потребления». Модель этого общества скоро распространилась на богатые страны от Западной Европы до Японии и явилась темой художест-венных исследований. Поэтому под названием «поп-арт» («popular art» – «массовое искусство») объединяют произведения европейских и американских художников, которые в 1960-х гг. интересовались реалиями современного мира: машинами, мультипликацией, фотографиями из иллюстрированных журналов, звездами эстрады и кинематографа. Направление «поп-арт» зародилось в Англии, но настоящее развитие получило в Соединенных Штатах. Именно там Энди Уорхол (1929–1987) использовал в своих произведениях некоторые техники, характерные для общества потребления, например рекламу и серийное производство. Его творчество показывало, что искусству грозит опасность стать таким же товаром, как и любой материальный предмет.
И при этом он подчеркивал, что воспроизведение образов ведет к их затаскиванию и опрощению, а заканчивается это разрушением изображенных предметов или персонажей.

Тиражируемость и изобилие, являющиеся признаками богатства, утомляют. Джеймс Розен-квист (родился в 1933 г.), тоже американец, начинал рекламным художником. Этот свой опыт он использовал в таких ранних произведениях, как «Избранный президент», которые собирал из отдельно написанных секций, подобно афишам на кинотеатрах. Интересно отметить, что в 1960-е гг. абстрактное и фигуративное искусство больше не противопоставлялись: оба направления были приняты публикой. Традиционное деление на живопись, скульптуру, архитектуру тоже исчезло благодаря наполненным краской губкам Ива Клейна (1928–1962) и рваным картинам Лучио Фонтана (1899–1968). Понятие «произведение искусства» резко расширилось, хотя картины Лучио Фонтана, продырявленные и разрезанные бритвой, и сегодня вызывают удивление у публики.
В любом случае Фонтана переизобрел живопись и скульптуру, так как, разрывая поверхность холста, он создавал ощущение реальной существующей за холстом глубины.

Параллельно с этими новыми техниками по-прежнему развивалась живопись маслом. Так, англичанин Фрэнсис Бэкон (1909–1992) писал картины, чаще всего изображая самого себя сидящим среди близких в центре комнаты. Свое присутствие он объяснял тем, что берет пример с величайших художников прошлого. Тем не менее искореженные лица его моделей и едкие цвета отражали внутреннюю неурядицу, в которой легко угадывались тоска и одиночество совре-менного человека. За исключением нескольких больших произведений, таких, как, например, работы Йозефа Бойса, послевоенное искусство не далеко продвинулось вперед по сравнению с искусством, существовавшим за двадцать лет до того. Многочисленные музеи и выставки превратили возникновение новых направлений в обыденное явление, которое уже не интересует публику. Многие живописцы и скульпторы начинают работать с традиционными материалами, а архитекторы вдохновляются произведениями прошлых эпох. Тем не менее сюрпризы еще возможны. Например, в искусстве улиц, которое американец Кейт Харинг (1958–1990) продемонстрировал в Европе и Соединенных Штатах. Сюрпризы преподносят и развивающиеся страны, современное искусство которых Запад только начинает открывать для себя.

Начиная с 1980-х гг. многие художники вновь заинтересовались живописью, а Европа пережила возрождение интереса к зрелищной культуре. В Германии, культурная жизнь которой после военного поражения замерла, теперь вновь появились крупные творцы, которые обращались к теме недавней истории часто через произведения, написанные в жанре пейзажа. Среди них можно назвать, например, Герхарда Рихтера (родился в Дрездене в 1932 г.), который изобразил на картине «Шенон» те места во Франции, где прошли смертельные бои XX века. Живописец, вдохновившийся всеми основными современными художественными направлениями, создавал также абстрактные картины, жанровые сцены, портреты и натюрморты. Немецкий художник Ансельм Кифер (родился в 1945 г.) воскрешает в памяти разрушения последней войны в мощных живописных произведениях, где смешивает краски с песком и свинцом. Интерпретировать эти произведения трудно: среди руин, в атмосфере катастрофы, Кифер часто располагает символ искусства и гения, например нарисованное или изваянное крыло.

В гораздо большей степени, чем живопись, эволюционировала современная архитектура, вернувшись к традиционным формам и техникам. Сейчас вновь появились элементы, еще недавно отвергавшиеся, например колонны и башни, а старые строительные материалы, такие, как тесаный камень или керамическая плитка, потеснили цемент и стальную арматуру. Новый театр Карло Феличе в Генуе (Италия), созданный по проекту архитектора Альдо Росси (1931–1997), хорошо иллюстрирует эту тенденцию: благодаря центральному кубу, стоящему на вкопанном бордюре, здание больше похоже на дворец эпохи Возрождения, чем на современное сооружение. Возвращение к традиции является выражением сегодняшнего глубокого кризиса современной культуры, потери ею веры в прогресс. Научные открытия двух последних столетий не принесли человечеству ожидаемого нового равновесия. Надежды на то, что будущее – за модернизмом, также не оправдали себя. Возвращение к прошлому получило название «постмодернизм».

Большинство послевоенных художников и скульпторов стремились избавиться от ужасных образов, отпечатавшихся в их памяти. На это время пришелся триумф абстракции, искусства без образов. Другие, чтобы выразить свое разочарование современным миром, интересовались людьми, отвергнутыми обществом. Так, художник и писатель Жан Дюбюффе (1901–1985) открыл для себя искусство душевнобольных.

Нью-Йорк становится международной столицей созидания, а также торговли живописью и скульптурой и начинает соперничать с Парижем и Лондоном. Именно в Нью-Йорке открываются самые крупные музеи, посвященные искусству XX века, например Музей Гуггенхейма, постро-енный в 1943–1959 гг. по проекту архитектора Фрэнка Ллойда Райта (1869–1959).

Оглавление
История зарубежного искусства.
Дидактический план
Предмет искусствоведения
Классификация искусств
Историзм как принцип изучения искусства
Роды и жанры искусства
Периодизация истории искусства
Происхождение и социальные функции искусства
Становление художественной культуры классового общества
Становление художественной культуры Древнего мира
Художественная культура Древнего Египта и Древней Передней Азии
Художественная культура Эгейского мира
Искусство Древней Греции
Искусство Древнего Рима
Искусство Византии и Средних веков
Художественная культура Византии
Становление искусства западноевропейского средневековья. Эпоха Каролингов
Романское искусство
Романское искусство
Искусство эпохи Возрождения
Искусство XVII века: барокко, классицизм
Западноевропейское искусство XVIII–XIX веков
Основные проблемы развития художественной культуры XX века
Все страницы